Salon international d’art contemporain depuis 1903

122^ème édition du 29 octobre au 2 novembre 2025

Pavillons éphémères, Place de la Concorde, Paris

Paris, octobre 2025 – Pour sa 122ᵉ édition, Le Salon d’Automne vous donne rendez-vous du 29 octobre au 2 novembre, place de la Concorde, à quelques encablures du Petit Palais où il est né en 1903. 1 000 artistes, issus de 48 nationalités et répartis en 19 sections, exposeront leurs œuvres sur deux pavillons couvrant plus de 4 000 m². Pendant 5 jours, 30 000 visiteurs y sont attendus pour célébrer la diversité de l’art contemporain.

Parmi les 13 artistes italiens qui y exposeront, focus sur 6 d’entre eux, témoins de l’effervescence créative de ce rendez-vous majeur de l’art contemporain.

Crédits : MORELLI Federico – Le sacre du printemps – 103 x 200 cm – acrylique sur toile – ADDUCCHIO Gaia – Naked#she – Untitled (67 – 29A) – 50 x 40 cm – Gelatin silver print on baryta paper sur papier photo – MARCHETTI Amedeo – All’alba delle 6 c’è una festa che non vuole la fine e un sole birichino che non vuole mattino – 150 x 150 cm – huile sur toile – PICCIOTTO Simone – L’oiseau – 150 x 120 cm – acrylique, encre et aquarelle  – SALZANO Gabriella – De la mélancolie à la lumière – 61 x 154 cm –  Peinture acrylique sur toile en lin – GORINI Giovanni – Ritmi del tempo – 42 x 35 cm – Aquatinte 

Cliquez sur chaque visuel pour télécharger la version HD ou téléchargez l’ensemble des œuvres présentées ainsi que l’affiche du Salon d’Automne 2025 ici

Entre peinture et gravure, six portraits d’artistes italiens qui font vibrer le Salon d’Automne 2025

Federico Morelli – Section Expression libre

Federico Morelli est né à Terni en 1961. Il a commencé à peindre très tôt. Après avoir suivi une formation artistique sous la direction du maître ombrien Vittorio Cecchi, qui l’a orienté vers l’utilisation des couleurs à l’huile et des aquarelles liquides, il a obtenu sa première reconnaissance en 1974 dans la cathédrale d’Orvieto dans le cadre du concours artistique Various Art Competition. Bien qu’orienté vers l’Académie des Beaux-Arts, il a entrepris des études économiques et a travaillé comme directeur commercial pour des groupes financiers internationaux. Sa passion pour l’art est toujours vivace, il étudie les techniques des grands maîtres et participe à des expositions en Italie et à l’étranger. Il pratique une peinture fauviste, qui met en valeur les émotions et la spiritualité de la vie humaine par le trait et la couleur. Ses œuvres sont un engagement en faveur de la protection de la dignité et des droits de chaque personne, une dénonciation consciente et un cri contre la guerre et toute forme de violence, d’inégalité, de répression et d’intolérance. Une lumière sur les réalités négligées qui existent en marge de la société et une réflexion sur les conditions de vie humaines. En août 2023, il a été sélectionné pour exposer au 120e anniversaire du Salon d’Automne, à La Grande Halle de La Villette à Paris, en janvier 2024. Il expérimente continuellement, passant des techniques de peinture traditionnelles à de nouvelles formes d’art numérique, avec l’application des technologies blockchain et NFT. Il a fondé un laboratoire d’art et d’artisanat en Ombrie, La Terra dell’Upupa, un lieu de rencontre entre l’art et la nature, dans le but d’allier la passion, la créativité et la beauté du faire aux valeurs d’éthique, de responsabilité et de durabilité. Il est titulaire de la carte d’artiste professionnel AIAP/UNESCO, délivrée par l’Association internationale des arts plastiques Italie, le comité italien de l’IAA/AIAP UNESCO.

Gaia Adducchio – Section Art digital

 Gaia Adducchio est une artiste italienne qui vit et travaille à Rome. Après avoir étudié la réalisation à l’École nationale de cinéma de Prague (FAMU) et remporté d’importants prix pour ses œuvres de fiction et ses documentaires, elle a obtenu deux bourses du MIBACT pour la production d’un documentaire et le développement d’un long métrage. En 2015, elle a remporté une résidence artistique à la prestigieuse école de photographie CSF Adams à Rome et a créé son premier projet photographique analogique « Family Portraits », qui a fait ses débuts à Prague Photo 2016. Toujours en 2016, elle a obtenu une mention spéciale à la première Biennale d’art moderne de Pérouse. « Naked:#she », son deuxième projet photographique, a été exposé à Prague Photo 2017 et en février 2020 au Salon Comparaisons à Paris. En juillet 2023, elle a été l’une des quatre lauréates du concours de l’exposition collective YAG/garage ITALIA Lazio à Pescara. Elle expose dans de nombreuses manifestations artistiques : son troisième projet, « Étoiles », fait ses débuts à Prague Photo 2018 puis est exposé en février 2019 au Salon Comparaisons et en octobre 2019 au Salon d’Automne à Paris. Une sélection de son quatrième projet « Polaroid Blooming » fait partie du Salon d’Automne en octobre 2021 et à nouveau en octobre 2022, et en février 2022, elle fait partie du Salon Comparaisons. En septembre 2022, elle a participé à une exposition collective d’art contemporain intitulée « When in Rome » à la Soho House de Rome. Depuis 2019, elle a organisé plusieurs expositions individuelles à Rome et à l’étranger. De décembre 2023 à février 2024, son dernier projet photographique « Acquatica », organisé par Beatrice Luzi, a fait l’objet d’une exposition solo dans les prestigieux espaces de la Galleria Gallerati à Rome. D’avril à juillet 2025, elle participe à la 6e Biennale Internationale d’Art Gaia à Vila Nova de Gaia, au Portugal.

Amedeo Marchetti – Section Art naïf

Amedeo Marchetti est né à Tione di Trento en 1959 et réside à Bolbeno dans le Trentin. Il cultive depuis son enfance une passion pour la peinture et réalise dès 1978 une série de dessins et d’œuvres picturales, faisant ses débuts officiels dans le monde de l’art trois ans plus tard, en 1981, avec une nomination à un prix et une grande reconnaissance du public. Depuis 1986, il est admis au Prix national des peintres naïfs. En 1997, le Musée national des arts naïfs « C. Zavattini » de Luzzara – Reggio Emilia acquiert son tableau « Abbracciami forte stasera » (Serre-moi fort dans tes bras ce soir). En 2001, à l’occasion de l’exposition « Ligabue e dintorni » organisée par les communes de Vomano et Tossicia, deux de ses œuvres sont exposées, tandis qu’à Azzignano (hameau de Tossicia), il commence la première de deux fresques murales qui s’achèvera en 2003. Toujours en 2001, « Le Palais des Naifs Musée International » à Bages Pyrénées Roussillon en France expose cinq de ses œuvres, dont l’une restera en permanence. En 2002, il remporte la « Lucia d’Oro », le premier prix de la 32e édition internationale de Varenna sur le lac de Côme. En 2003, lors de l’exposition internationale La Mandria de Chivasso (Turin), il représente l’Italie au 37e Mednarodnj Tabor de Trebnje en Slovénie.

Depuis 1999, il participe sur invitation au Grand Prix Suisse et au Grand Prix Europe de Peinture Primitive Moderne dans la petite ville de Morges. En 2005, il expose au Musée de Vico, une petite ville située à 20 kilomètres de Paris, et l’une de ses œuvres fait aujourd’hui partie de la collection permanente. Il expose à Bologne, Rimini, Parme, Milan, Turin, Guglia, Asiago, Pinzolo, Tione, Rango di Bleggio, Ponte Arche, Condino, Trente…

Simone Picciotto – Section Mythes et Singularité

Née au Caire dans une famille italienne, Simone Picciotto passe son enfance et fait ses études en Belgique et en Italie. Elle passe son adolescence en Toscane, où elle s’intéresse à la peinture. Elle fait l’Académie des Beaux-Arts de Bruxelles et obtient deux premiers prix en peinture (Composition et sur nature) en 1951. À Paris, elle fréquente l’atelier Fernand Léger puis celui de Jean Deyrolle. Les peintures de Simone Picciotto racontent des histoires fabuleuses, un geste qui puise dans une réserve inépuisable d’images dont elle déroule les métamorphoses dans des alluvions de peinture, de collage de papiers peints, de tissus, d’objets désuets et incongrus, vestiges d’une mythologie du quotidien, dénichés dans des brocantes. L’artiste procède par détournements, piège l’entendement dans des rebuts plastiques qui nous entraînent pour une errance poétique, dans laquelle toutes les pistes sont possibles. Si la liberté gestuelle induit un procédé proche de celui du cadavre exquis, une logique dicte la composition élaborée par strates, desquelles naissent des hybridations morphologiques. Tout commence par la tête, un signe de reconnaissance pour Simone Picciotto qui reste attentive à la lisibilité de la composition, inscrite dans une profusion de détails. Ses grandes qualités de dessinateur sous-tendent ses portraits et son univers onirique né de ses rêves nocturnes auxquels elle donne forme et couleurs. Ses songes, bachelardiens, revivent dans des scènes habitées par des corps et transformation, qui évoluent dans l’air et des fonds aquatiques dont les éléments disparates participent de leur fantasmagorie. Coloriste en verve, sa palette libère des couleurs tendres et chatoyantes. Une saveur charnelle particulière se dégage des matières marquées par l’usure du temps. Le monde de Simone Picciotto est celui de l’enchantement.

Gabriella Salzano – Section Art environnemental

Cette artiste a vécu 30 ans en Italie, à Naples et à Rome, et elle s’est nourrie des ambiances solaires de ces villes et de leurs histoires, si fécondes en arts. En France, d’autres atmosphères et paysages, notamment à la montagne, ont stimulé chez elle l’envie et le plaisir de représenter de nouvelles émotions. Dans ses œuvres, elle cherche à partager les émotions qu’elle ressent devant la végétation : confiance, optimisme et énergie. Ses palettes de couleurs – toujours vives – et sa façon de poser les matières, denses ou fluides, évoquent son étonnement face à l’éveil vigoureux de la nature, suggéré aussi par les titres des œuvres.  Elle s’exprime à l’aide de plusieurs techniques (peinture acrylique, à l’eau, estampe, crayons de couleur), en les combinant aussi, sur des supports très variés (toiles, papier, cartons entoilés, tissus). Dans sa démarche artistique, figuration et abstraction se mêlent inconsciemment. Mais parfois son style est complètement abstrait, guidé par une approche graphique, inspirée du textile.

Giovanni Goroni – Section Gravure

Né à Lajatico (Pise) en 1950, il commence à peindre en 1970. En 1972 il fréquente l’INSTITUT D’ART et durant cette période, la peinture de Pollock et l’art gestuel l’influencent, pour donner en 1974 sa première toile « abstraite ».

Jusqu’en 1975 il approfondit cette phase de recherche pour se libérer du traditionnel « figuratif ». Il découvre alors l’œuvre de Giuseppe Santomaso, et frappé par la poétique et surtout par le « rapport avec la réalité » du travail de cet artiste, il le rencontre à Venise en 1976. Après cette rencontre et celles qui suivront régulièrement, les créations de Gorini prennent une orientation décisive. Il imprime son premier portfolio « Autoscienza-Presenza » avec un texte de l’écrivain et ami Francesco Paciscopi. Il consolide sa recherche « réalité/nature » au cours de deux voyages l’un dans les Pouilles avec le peintre Alessandro Gamba, et l’autre en Grèce. C’est aussi l’époque de son premier voyage à Paris, où il s’installe en 1979. Il participe à plusieurs expositions collectives avec un groupe d’artistes italiens, et il se lie d’amitié avec Riccardo Licata, titulaire d’un atelier aux Beaux-Arts de Paris, qui lui apprend la mosaïque, et Paolo Boni, peintre et graveur, oncle de Mario Boni, imprimeur en taille douce, qui l’initie à la gravure en plusieurs couleurs. Il approfondit cette recherche, attiré par les différentes techniques d’estampe des artistes qui fréquentent l’atelier Boni, notamment Bertrand Dorny. En 1980 il imprime son deuxième portfolio « Voyage sans monuments » accompagné d’un texte de Dino Carlesi (poète et critique d’art) et suivront en 1984 « Terre dimenticate » et en 2002  « …ai segni della terra ». En 1981, il est diplômé de l’Académie des Beaux-Arts de Florence dans la classe de peinture de Gustavo Giulietti. Pour ses travaux de gravure il obtient la médaille de la « VILLE de PARIS » de bronze en 1982 et d’argent en 1984, et le deuxième prix à la « BIENNALE du XV – Paris » en 2019. Il fait partie des artistes de « MANIFESTAMPE ».

Un Salon créé par des artistes, pour des artistes moteur des avant-gardes depuis 1903

C’est à cette date, dans les sous-sols du Petit Palais, en réaction à l’académisme régnant, que quelques amis rassemblés autour de l’architecte Frantz Jourdain, Guimard, Carrière, Desvallières, Bonnard, Rouault, Vallotton, Vuillard, Matisse, et tant d’autres, décidèrent d’organiser une exposition indépendante, dans le but de promouvoir les avant-gardes et les esprits novateurs de leur temps. Instigateur de la pluridisciplinarité et l’égalité des arts, Le Salon d’Automne était né, s’imposant comme témoin essentiel de l’émergence des plus importants mouvements artistiques du 20ème siècle : fauvisme, surréalisme, cubisme, art abstrait, nouvelle figuration, etc.

Un événement pour réunir la grande famille de l’art contemporain

Le Salon d’Automne est incontestablement le promoteur de tous les arts, sans distinction de hiérarchie entre les formes d’art. Depuis ses débuts, il renouvelle sa noble mission de donner aux artistes une tribune de choix en réunissant chaque année ce que la création actuelle a de plus dynamique et prometteur. Le lancement régulier de nouveaux groupes et sections prouve par ailleurs son implication dans la représentation de tous les mouvements artistiques, sans frontières et sans à priori. Aujourd’hui, on ne dénombre pas moins de 11 sections artistiques : peinture, sculpture, architecture, gravure, dessin, photographie, art environnemental, art digital, livres d’artistes, mondes inconnus et mythes & singularité. Avec une section peinture composée de 9 groupes : Abstraction, Art naïf, Chromatics, Expression libre, Figuration, Héritage et Innovation, Imaginaires, Synthèse, Variations.

En 2025, le Salon d’Automne s’engage pour la protection de la mer

Fondé sur des valeurs de partage et de tolérance, l’esprit du Salon d’Automne est unique dans le monde de l’art : il ne cesse de se réinventer au fil du temps en questionnant les grands enjeux de notre époque à travers le prisme de l’art contemporain. Résolument ancré dans son présent, il affirme à nouveau cette année sa capacité à se saisir d’enjeux essentiels en mettant à l’honneur la protection de la mer dans le prolongement de l’UNOC 2025. Une opportunité d’utiliser l’art comme moyen d’approche et de sensibilisation auprès de ses visiteurs : grand public, artistes, collectionneurs, amateurs d’art, etc.

Cette édition 2025 rassemblera ainsi des œuvres de différentes natures d’artistes engagés sur la thématique de l’écologie de la mer et sur les différentes problématiques touchant à la pollution et à la destruction des fonds marins. Ces créations dialogueront avec des données scientifiques pour enrichir la réflexion et croiser les regards. Et pour poursuivre cette volonté pédagogique, tout au long du Salon des conférences, débats, tables rondes et projections cinématographiques seront proposés.

Par ailleurs, Louis Burton, ayant participé à la Transat Jacques-Vabre et au Vendée Globe à plusieurs reprises, nous fera l’honneur d’être le parrain de cette 122^ème édition. Bien qu’engagé dans la Transat Café L’OR, le navigateur interviendra en visioconférence pour partager sa progression dans la course et parler de son engagement pour la préservation des océans. Louis Burton organise chaque année un concours de dessins auquel ont participé des centaines d’enfants. 60 de ces dessins ont été sélectionnés pour être exposés.

Le dossier de presse de la 122^ème édition du Salon d’Automne est téléchargeable ici

Crédit : Affiche de Christophe Badani

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Le Salon d’Automne est organisé par la Société du Salon d’Automne, une association d’artistes, sans but lucratif, née en 1903, reconnue d’utilité publique depuis 1920, et dont le but est l’encouragement et le développement des beaux-arts dans toutes ses manifestations et particulièrement par des expositions tant en France qu’à l’étranger.

Et parce que de belles images valent souvent mieux que de longs discours, retour, en images, sur la dernière édition du Salon d’Automne : Vidéo octobre 2024

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Infos pratiques

Le Salon d’Automne

Salon international d’art contemporain depuis 1903 – 122^ème édition

Du mercredi 29 octobre au dimanche 2 novembre 2025

Place de la Concorde, Paris

Contacts presse 

Clara Moreno – clara@morenoconseil.com

Léa Gonçalves – lea@morenoconseil.com

Salon international d’art contemporain depuis 1903

122^ème édition du 29 octobre au 2 novembre 2025

Place de la Concorde, Paris

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Pour sa 122^ème édition, Le Salon d’Automne vous donne rendez-vous du 29 octobre au 2 novembre, Place de la Concorde, à quelques encablures du Petit Palais, où il est né en 1903. Salon d’art contemporain résolument ancré dans son présent, il met cette année à l’honneur – en écho à l’Année de la Mer – la préservation des écosystèmes marins. Expositions thématiques, conférences, projections et invités engagés — dont le navigateur Louis Burton — la programmation mêle délibérément art, science et conscience pour faire résonner les enjeux environnementaux avec la puissance de la création contemporaine. 1 000 artistes de 48 nationalités répartis sur 20 sections exposeront leurs œuvres sur deux pavillons formant une surface de près de 4 000 m². Soutenu par le ministère de la Culture, l’événement attend 30 000 visiteurs pour célébrer la diversité de l’art contemporain.               

Crédit : Affiche de Christophe Badani

Cliquez sur l’image pour obtenir la HD

En 2025, le Salon d’Automne s’engage pour la protection de la mer

Depuis ses débuts, le Salon d’Automne incarne l’engagement des artistes pour les artistes et soutient la diversité et la liberté d’expression artistique sans hiérarchie entre les formes d’art. Véritable incubateur pour la création, son esprit – fondé sur des valeurs de partage et de tolérance -, est unique dans le monde de l’art : il ne cesse de se réinventer au fil du temps en questionnant les grands enjeux de notre époque à travers le prisme de l’art contemporain. Ce Salon fait par des artistes pour des artistes affirme donc à nouveau cette année sa capacité à se saisir d’enjeux essentiels en mettant à l’honneur la protection de la mer dans le prolongement de l’UNOC 2025. Une opportunité d’utiliser l’art comme moyen d’approche auprès de ses visiteurs : grand public, artistes, collectionneurs, amateurs d’art, etc.

L’art au service de l’écologie

Dans cette sensibilisation, les artistes jouent un rôle essentiel, apportant un regard singulier et sensible sur des sujets qui souvent sont traités sous le seul prisme scientifique. Aborder ces questions par la peinture, la sculpture, le dessin ou tout autre médium des arts visuels permet de créer une connexion émotionnelle particulière avec le public. Dans cette optique, l’art devient un vecteur de mobilisation original et déterminant pour la protection des milieux aquatiques, essentiels à la vie sur Terre. 

Cette édition 2025 rassemblera donc des œuvres de différentes natures d’artistes engagés sur la thématique de l’écologie de la mer et sur les différentes problématiques touchant à la pollution et à la destruction des fonds marins. Présentées dans un espace dédié, ces créations dialogueront avec des données scientifiques pour enrichir la réflexion et croiser les regards. Et pour poursuivre cette volonté pédagogique, tout au long du Salon, des conférences, débats, tables rondes et projections cinématographiques seront proposés.

Un parrain idéal en la personne du navigateur Louis Burton

Louis Burton, ayant participé à la Transat Jacques-Vabre et au Vendée Globe à plusieurs reprises, nous fera l’honneur d’être le parrain de cette 122^ème édition. Bien qu’engagé dans la Transat Café L’OR – anciennement Transat Jacques-Vabre – Louis Burton interviendra en visioconférence pour partager sa progression dans la course, évoquer son engagement pour la préservation des océans et répondre aux questions du public. Grâce au programme pédagogique « Louis Burton autour du monde », des centaines d’enfants ont embarqué sur son bateau Bureau Vallée et ont réalisé des dessins et peintures en mer. Soixante dessins ont été sélectionnés pour être exposés.

Une première sélection d’artistes engagés pour les océans

Parmi les premiers artistes annoncés, Jean-François Larrieu, peintre internationalement reconnu (d)écrit à travers son œuvre picturale une histoire universaliste, à la fois humaniste et environnementale : une histoire de Vie(s). Une œuvre monumentale sur le thème de la beauté de la faune et de la flore marine sera exposée, en parallèle à la projection d’un film, « Reset », qui se propose de donner vie à ses œuvres.

Nicole King, éco-artiste peintre sera également l’invitée de cette édition. Depuis plusieurs années, cette ingénieure de formation mêle science et art dans une œuvre foisonnante. S’inscrivant dans la mouvance de l’art écologique, elle utilise la peinture à l’huile et la photographie et traite dans ses œuvres de la perte de la biodiversité marine et de la pollution.

Une affiche en forme de métaphore pour un événement qui invite à la découverte, à la contemplation et à l’exploration libre d’un espace artistique

« L’affiche conçue pour le Salon d’Automne 2025 suggère un parcours, une déambulation, grâce à ses courbes fluides qui dessinent un cheminement artistique organique. En résonance avec le thème de l’Année de la Mer, ces lignes sinueuses rappellent les ondulations de l’eau — vaste, mouvante, imprévisible — et invitent à une exploration sensible, à la fois visuelle et intérieure. La typographie structurée offre des repères clairs, tout en dialoguant harmonieusement avec les courbes pour guider le regard, comme des balises dans un paysage changeant. La composition traduit l’expérience immersive d’un salon d’art : explorer à son rythme et se laisser porter tout en découvrant des étapes marquantes. Cette édition 2025 renforce l’idée d’un Salon d’Automne comme un espace vivant, ouvert à toutes les formes d’expression », déclare Christophe Badani – peintre calligraphe, typographe et organisateur délégué de la section Abstraction du Salon d’Automne.

Originaire de Marseille, formé à la typographie, Christophe Badani a débuté sa carrière dans la communication à Paris avant de se consacrer dès 1996 à la peinture, au dessin typographique, à la calligraphie latine et de se perfectionner dans l’expression du signe et de la gestuelle calligraphique. Concepteur et dessinateur de typographies (www.typophage.com), il a co-écrit Types for brands (Eyrolles, 2010) avec l’agence Seenk. Il intervient régulièrement dans des écoles d’art (Académie Charpentier, EPSAA, ECV) et poursuit aujourd’hui ses explorations artistiques dans la céramique, l’estampe et la gravure.

Note à la rédaction : le Salon d’Automne dévoilera fin juin une sélection des principales œuvres qui seront exposées pour sa 122^ème édition.

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Sur le Salon d’Automne, moteur des avant-gardes depuis 1903

Pour rappel, c’est à cette date, dans les sous-sols du Petit Palais, en réaction à l’académisme régnant, que quelques amis rassemblés autour de l’architecte Frantz Jourdain, Guimard, Carrière, Desvallières, Bonnard, Rouault, Vallotton, Vuillard, Matisse, et tant d’autres, décidèrent d’organiser une exposition indépendante, dans le but de promouvoir les avant-gardes et les esprits novateurs de leur temps. Instigateur de la pluridisciplinarité et l’égalité des arts, Le Salon d’Automne était né, s’imposant comme témoin essentiel de l’émergence des plus importants mouvements artistiques du 20^ème siècle : fauvisme, surréalisme, cubisme, art abstrait, nouvelle figuration, etc.

Le Salon d’Automne est ainsi et incontestablement le promoteur de tous les arts, sans distinction de hiérarchie. Depuis sa création, il renouvelle sa noble mission de donner aux artistes une tribune de choix en réunissant chaque année ce que la création actuelle a de plus dynamique et prometteur. La création régulière de nouvelles sections prouve par ailleurs son implication dans la représentation de toutes les créations artistiques, sans frontières et sans a priori. Aujourd’hui, on ne dénombre pas moins de 12 sections artistiques : peinture, sculpture, architecture, gravure, dessin, photographie, art environnemental, art singulier, art digital, livres d’artistes, mondes inconnus et mythes & singularité. Avec une section peinture composée de 9 groupes : Abstraction, Art naïf, Chromatics, Expression libre, Figuration, Héritage et Innovation, Imaginaires, Synthèse, Variations.

Le Salon d’Automne est organisé par la Société du Salon d’Automne, une association d’artistes, sans but lucratif, née en 1903, reconnue d’utilité publique depuis 1920, et dont le but est l’encouragement et le développement des beaux-arts dans toutes ses manifestations et particulièrement par des expositions tant en France qu’à l’étranger.

Et parce que de belles images valent souvent mieux que de longs discours, retour, en images, sur la dernière édition du Salon d’Automne : Vidéo octobre 2024

Infos pratiques

Le Salon d’Automne

Salon international d’art contemporain depuis 1903 – 122^ème édition

Du mardi 28 octobre au dimanche 2 novembre 2025

Place de la Concorde, Paris

Contacts presse 

Clara Moreno –clara@morenoconseil.com

Léa Gonçalves –lea@morenoconseil.com

Le Salon d’Automne, Paris

Salon international d’art contemporain depuis 1903

122^ème édition du 28 octobre au 2 novembre 2025

Paris

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Paris, mai 2025 – Du 28 octobre au 2 novembre 2025, le Salon d’Automne revient pour sa 122ᵉ édition à Paris, à deux pas du Petit Palais où il fut fondé en 1903 et du Grand Palais, son lieu d’exposition historique. Fidèle à son ADN cosmopolite, ce rendez-vous majeur de la scène artistique contemporaine réunira plus de 1000 artistes issus de plus de 52 pays, confirmant ainsi son statut de carrefour artistique mondial et résonnant plus que jamais – dans un contexte international souvent marqué par les tensions – comme un signal d’unité et de paix entre les peuples.

Les visuels de ce communiqué de presse peuvent être téléchargés ici

Xi’an, Chine, 2019. Crédit photos Salon d’Automne

Une vocation internationale ancrée dans l’histoire

Paphos, Chypre, Capitale européenne de la culture, 2017. Crédit photos Salon d’Automne

Dès sa première édition, le Salon d’Automne s’est affirmé comme le plus international des salons parisiens : 83 artistes étrangers y exposaient en 1903. Deux ans plus tard, il marquait l’histoire en révélant le fauvisme, premier mouvement artistique du XXe siècle. Sa diffusion rapide à l’échelle européenne, notamment en Allemagne, en Russie ou en Scandinavie, témoignait déjà du rôle du Salon d’Automne comme passeur d’avant-gardes au-delà des frontières.

Au fil des décennies, le Salon est devenu un creuset de l’avant-garde artistique mondiale. Défenseur de la modernité et de la diversité artistique, il a en effet vu défiler au cours de ses éditions des générations d’artistes du monde entier, devenant une référence incontournable dans l’histoire de l’art contemporain et promouvant l’idée que l’art peut être un vecteur de dialogue et de fraternité entre les cultures.

Des échanges artistiques permanents à l’international

Exposition d’artistes du Salon d’Automne au Tokyo Art Center en août 2023 et 2024. Crédit photos Salon d’Automne

Aujourd’hui encore, la dimension internationale du Salon dépasse les frontières de Paris. Régulièrement, des expositions sont organisées en Europe, en Asie, au Moyen-Orient et en Amérique latine : en Serbie, à Uzice en 2001 ; en Espagne, pendant plusieur années à partir de 2005, en partenariat avec le Centre UNESCO de Sarria ; à Moscou et en Arabie Saoudite à Riyad en 2010 et à Djeddah en 2011 ; en Israël en 2012 ; en Tunisie en 2013 ; au Luxembourg et à nouveau à Moscou en 2014 ; en Biélorussie en 2016 ; à Chypre en 2017 (à Paphos, Capitale européenne de la culture) ; en Chine en 2019 (à Xi’an, dans le cadre d’un partenariat avec une association d’artistes de la province de Shaanxi), ou encore au Brésil, à Sao Paulo dans le cadre du Salon d’Automne France-Brésil entre 2011 et 2013 ou en Égypte, au Caire lors de la Biennale d’Art et de Littérature en 2009 et 2011.

Autre exemple, en 2023, dans un geste fort de solidarité, le Salon a accueilli une délégation de 16 artistes ukrainiens de l’Académie nationale des arts d’Ukraine. Leur projet « The Light Will Win » témoignait du rôle de l’art en temps de guerre, et de sa capacité à résister à la violence par la beauté et l’expression.

2025 : le dialogue culturel se poursuit en Europe et au Japon

Visuel, affiche et photo de l’exposition « Packaging » à Katowice, Pologne. Crédit photos Salon d’Automne 

Depuis 2022, l’exposition itinérante « Amplitudes », en partenariat avec l’association allemande BBK, réunit chaque année des œuvres d’artistes du Salon d’Automne et de ses homologues européens. En 2025, l’exposition fait escale en Pologne et en République tchèque.

Enfin, depuis 1975, le Salon entretient un partenariat privilégié avec le Club des Amis de l’Europe et des Arts (CAEA), une association japonaise permettant à des artistes nippons d’exposer chaque année à Paris dans une section dédiée. En retour, le National Art Center de Tokyo accueille régulièrement des artistes du Salon d’Automne, illustrant un échange artistique profond et durable entre la France et le Japon.

Une plateforme internationale pour la création contemporaine

Exposition d’artistes du Salon d’Automne au Tokyo Art Center en août 2023 et 2024 / Exposition « Packaging » à Katowice, Pologne. Crédit photos Salon d’Automne

Porté par la Société du Salon d’Automne, association d’artistes sans but lucratif reconnue d’utilité publique, le Salon d’Automne continue de défendre une vision de l’art sans hiérarchie, sans frontières et sans exclusion. En 2025, avec plus de 30 000 visiteurs attendus, une scénographie ambitieuse et une diversité de techniques artistiques représentées, l’événement continuera de refléter la richesse et la diversité de la création contemporaine. Une pluralité qui s’incarne dans la présentation de plus de vingt sections couvrant des disciplines variées — peinture, sculpture, photographie, gravure, dessin, art digital, art environnemental, architecture, livres d’artistes, art singulier, petits formats – et à l’intérieur desquelles les artistes explorent des techniques allant du plus classique au plus expérimental. Une approche décloisonnée qui permet au Salon d’Automne d’être fidèle à sa vocation originale : être un lieu unique où des artistes issus des cinq continents se rencontrent, innovent, s’expriment librement – dans un esprit de partage et de paix.

« L’Art n’a pas de frontières et son ouverture sur le monde est une occasion d’initier un échange entre des artistes du monde entier, dans un esprit de fraternité. Fidèle à cette devise et conviction, le Salon d’Automne s’affirme plus que jamais comme un tremplin pour des artistes aux horizons multiples, un lieu de rencontre essentiel entre les cultures, les esthétiques et les générations et une tribune internationale pour la liberté de création », affirme Jean-Christophe Lévêque, Président du Salon d’Automne.

Les visuels de ce communiqué de presse peuvent être téléchargés ici

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Le Salon d’Automne est organisé par la Société du Salon d’Automne, une association d’artistes, sans but lucratif, née en 1903, reconnue d’utilité publique depuis 1920, et dont le but est l’encouragement et le développement des beaux-arts dans toutes ses manifestations et particulièrement par des expositions tant en France qu’à l’étranger.

Et parce que de belles images valent souvent mieux que de longs discours, retour, en images, sur la dernière édition du Salon d’Automne : Vidéo octobre 2024

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Infos pratiques

Le Salon d’Automne

Salon international d’art contemporain depuis 1903 – 122^ème édition

Du mardi 28 octobre au dimanche 2 novembre 2025

Paris

Contacts presse 

Clara Moreno – clara@morenoconseil.com

Léa Gonçalves – lea@morenoconseil.com

Les visuels de ce communiqué de presse peuvent être téléchargés ici

121^ème édition du 23 au 27 octobre 2024

Pavillons éphémères, avenue de Champs-Elysées, Paris

Paris, le 2 septembre 2024 – C’est reparti pour le Salon d’Automne ! La 121^ème édition de ce salon international d’art contemporain, fait par des artistes pour des artistes, et qui marque l’ouverture de la saison culturelle parisienne, vous donne rendez-vous du 23 au 27 octobre aux pavillons éphémères situés sur les emblématiques Champs-Elysées, à deux pas du Grand Palais, là où il est né en 1903. Soutenu par le Ministère de la Culture et doté d’une renommée internationale avec plus de 50 nationalités représentées, ce salon qui, depuis ses débuts a permis de faire émerger des figures majeures et les mouvements à l’origine des révolutions artistiques du 20^ème siècle, présentera, sur 3 000 m², plus de 1 000 œuvres réunies en 20 sections et groupes artistiques. Aperçu de ce bouillonnement créatif en une sélection de 18 œuvres à découvrir sur cette nouvelle édition.

L’affiche de la 121ème édition ainsi que tous les visuels HD sont téléchargeables ici

Un événement pour réunir la grande famille de l’art contemporain

Le Salon d’Automne est incontestablement le promoteur de tous les arts, sans distinction de hiérarchie. Depuis 1903, il renouvelle sa noble mission de donner aux artistes une tribune de choix en réunissant chaque année ce que la création actuelle a de plus dynamique et prometteur. La création régulière de nouveaux groupes et sections prouve par ailleurs son implication dans la représentation de toutes les créations artistiques, sans frontières et sans à priori. Aujourd’hui, on ne dénombre pas moins de 11 sections artistiques : peinture, sculpture, architecture, gravure, dessin-peinture à l’eau, photographie, art environnemental, art singulier, art digital, livres d’artistes, et techniques mixtes. Avec une section peinture composée de 9 groupes : Abstraction, Art naïf, Chromatics, Expression libre, Figuration, Héritage et Innovation, Imaginaires, Synthèse, Variations.

« Cette nouvelle édition du Salon d’Automne, la 121^ème, tient toutes ses promesses. Les différentes tendances des beaux-arts contemporains y sont largement représentées. Des courants artistiques issus des siècles passés comme la gravure et le dessin poursuivent leur évolution tout en respectant dignement la rigueur de ces disciplines. La peinture, reine de ce salon à toutes les époques, se décline à travers de nombreux courants artistiques d’une grande variété d’expressions, se questionnant toujours elle-même et repoussant ses propres limites. Des tendances nouvelles apportent jeunesse et force, utilisant les nouvelles technologies comme un moyen de création, assemblant différents matériaux et médiums sur différents supports. Tout ceci formant un ensemble cohérent, pleinement plongé dans notre temps présent ». Jean-Christophe Lévêque, président du Salon d’Automne.

Zoom sur quelques découvertes de cette 121ème édition

Section « Mondes Inconnus » (Techniques mixtes) : Une nouvelle odyssée artistique

Crédits : GAbO – La Pachamama – Technique mixte sur toile, 155 x 104 x 4 cm / Nadine JEANJEAN – Forêt – Acrylique sur toile,

92 x 73 cm / Kacey KO – Oasis (OC – 5827) – Huile sur toile, 80 x 60 cm / Rumiko NAKAGAWA – Amazone – Tissus, cotons et coques sur toile, 50 x 70 x 6 cm.

Mondes Inconnus est une toute nouvelle section qui propose une célébration poétique de la diversité culturelle à travers l’art. Cette nouvelle section regroupe les œuvres d’artistes issus de divers horizons, chacun apportant les richesses et les nuances de sa culture d’origine. Les créations présentées nous offrent un voyage sensoriel et émotionnel au cœur de terres proches ou lointaines ainsi que d’imaginaires exotiques. Chaque œuvre raconte une histoire singulière, puisant dans des traditions ancestrales, des légendes, des personnages, et des paysages enchanteurs. Les couleurs, les motifs délicats et les techniques mixtes révèlent la richesse des œuvres présentées, offrant aux spectateurs une immersion totale dans des univers artistiques distincts.

Les artistes de cette section nous rappellent que l’art est un langage universel, capable de transcender les frontières géographiques et culturelles. Mondes Inconnus est ainsi une ode à la diversité culturelle mondiale et un hommage aux artistes qui, par leur sensibilité unique, nous dévoilent l’infinie mosaïque de l’expérience humaine. D’après un texte de GAbO, Responsable de la section « Mondes Inconnus »

Nous vous présentons ici quatre toiles qui donnent un aperçu de la diversité des techniques exploitées par les artistes du groupe Mondes Inconnus. Par l’usage maîtrisé de l’acrylique, de l’huile ou des techniques mixtes, ces trois œuvres évoquent des lieux oniriques, chaleureux ou mystérieux et nous offrent une invitation à un voyage intérieur :

GAbO – La Pachamama
Technique mixte sur toile, 155 x 104 x 4 cm.

Nadine Jeanjean – Forêt
Acrylique sur toile, 92 x 73 cm.

Kacey Ko – Oasis (OC – 5827)
Huile sur toile, 80 x 60 cm.

Rumiko Nakagawa – Amazone
Tissus, cotons et coques sur toile, 50 x 70 x 6 cm.

Section « Mythes et Singularité » (Art singulier) : Une exploration artistique non conventionnelle

Crédits : Nicolas LONGUET – Le Bonhomme de Viande – Sculpture en papier, 152 x 71 cm / Patricia BERQUIN – La Valse des Âmes Nouées – Sculpture murale en haut-relief, 124 x 62 x 14 cm.

Pour sa 9e année consécutive, la section Mythes et Singularité invite à découvrir un univers artistique audacieux et moins académique, où la sincérité instinctive des artistes s’exprime à travers des techniques et des matériaux non conventionnels. Comme le soulignait Dubuffet, « Tout artiste a pour tâche de mettre au point ses techniques », et cet espace dédié à l’art singulier illustre parfaitement cette idée. Les œuvres présentées dans cette section explorent des formes d’expression artistique originales : de l’art mural réalisé avec du métal cousu ou soudé, des tissus sculptés, de l’osier, des nœuds de cordes, aux sculptures d’assemblages d’objets, de céramique, ou encore de matériaux recyclés comme des sacs poubelle. Sans oublier le festival de peintures et de couleurs qui enrichit cet espace. Ces œuvres insolites, issues de techniques inventives et éloignées des normes académiques, incarnent des mythes personnels, permettant de « se laver l’âme de la poussière du quotidien » disait Picasso.

Chaque année, le président de section renouvelle les artistes exposés, mettant en lumière des techniques très diverses et des artistes emblématiques du mouvement, pour qui l’esthétisme n’est pas un critère de qualité en art singulier. Mythes et Singularité offre ainsi une vitrine unique à des créations originales qui défient les conventions et enrichissent l’univers artistique contemporain. D’après un texte de Patricia BERQUIN, Responsable de la section « Mythes et Singularité ».

Nous vous présentons ici deux œuvres. De gauche à droite :

Visuels 1 & 2 de Nicolas LONGUET – Le Bonhomme de Viande
Sculpture en papier, 152 x 71 cm. À 22 ans, Nicolas Longuet, étudiant à l’école de marionnettes de Charleville-Mézières, présente une sculpture-marionnette unique. L’artiste déambulera dans les allées du salon en portant cette œuvre, tout en clamant un texte de Mattei Visniec.

Patricia BERQUIN – La Valse des Âmes Nouées
Sculpture murale en haut-relief, 124 x 62 x 14 cm. Cette œuvre est réalisée à partir de nœuds de cordes et de tissus.

Section « Art Digital et vidéo » : Un chapitre moderne de l’avant-garde artistique

Crédits : Françoise DUCÈNE-LASVIGNE – Exotisme – Photographie numérique retravaillée sur Photoshop, 30 x 20 cm / Patrick VINCI – WELCOME CATA – 72 DPI / Philippe SOCQUIN-BRILLAN – CHRYSALIDE – Dessin et travail numérique, métal, papier, photo, plexi, 110 x 75 x 3 cm.

Depuis maintenant neuf éditions, l’Art digital est représenté dans toutes ses formes au Salon d’Automne. Un réel chapitre dans l’histoire du salon où se sont succédé de célèbres artistes aux univers éclectiques, ainsi que des talents émergents, offrant des œuvres fantasmagoriques, des performances innovantes, et des créations riches en techniques récompensées par de nombreuses distinctions, prix des plus prestigieux chaque année. Aujourd’hui, un nouveau chapitre s’écrit grâce à des artistes venus du monde entier. Ces artistes, avec leurs sensibilités, personnalités et cultures variées, s’expriment dans des styles libérés de toutes contraintes, unis par leur quête d’élever cet art au plus haut. A l’instar de la sculpture ou de la gravure, qui contiennent tellement d’univers, ces compositions pourtant si différentes sont issues, elles aussi, d’un même seul outil : le numérique. Ces pages, remplies d’avant-gardisme, contribuent à façonner l’histoire du Salon d’Automne et, par extension, celle de l’histoire de l’art. D’après un texte de Isabelle SCHMITT, Responsable de la section « Art Digital et Vidéo ».

Nous vous présentons ici trois œuvres, les artistes utilisent tous le même support, mais l’exploitent de manière unique révélant des univers artistiques très différents. De gauche à droite :

Françoise DUCÈNE-LASVIGNE – Exotisme
30 x 20 cm – Photographie numérique retravaillée sur Photoshop, combine la photo et la peinture pour créer des œuvres qui fusionnent le réel et l’imaginaire.

Patrick VINCI – WELCOME CATA
72 DPI, mêle photographie et collage digital, donnant naissance à des compositions modernes et dynamiques.

Philippe SOCQUIN-BRILLAN – CHRYSALIDE
110 x 75 x 3 cm – Dessin et travail numérique / Métal, papier, photo, plexi, explore la peinture numérique, transformant la toile en un espace virtuel où chaque pixel compte. Un seul outil sert de base, mais il permet une diversité d’expressions artistiques aussi riche que variée, démontrant l’infinité des possibilités créatives.

La section « Chromatics » : Une immersion dans l’essence des couleurs

Crédits : Michèle ANSERMET PAPADOPOULOS – A-MUSES-ER-VOUS – 200 x 200 cm / Betty CAMUS – Les lunettes rouges – Acrylique sur lin, 130 x 98 cm / Andrée DE FREMONT – Inspiration Ventoux – Technique mixte sur toile, 120 x 140 cm.

Depuis deux ans, la section Chromatics du Salon d’Automne s’affirme comme un rendez-vous incontournable pour les amateurs d’art contemporain et les passionnés de couleur. En mettant en avant des œuvres vibrantes et audacieuses, cette section célèbre la diversité et l’intensité chromatique sous toutes ses formes. Les artistes exposés révèlent la puissance émotionnelle et symbolique des couleurs, transformant chaque toile en un voyage sensoriel unique. C’est un hommage à la richesse et à la profondeur de la palette artistique. Les artistes poursuivent un objectif commun : créer un nouveau mouvement pictural, le « Chromatisme ». Ce mouvement se caractérise par des compositions audacieuses, une maîtrise subtile des nuances et une touche de folie créative qui les unit sous une même bannière. L’ambition est de faire de cette section une plateforme où l’innovation et l’expérimentation sont à l’honneur. Cette année, la section forme un groupe homogène et soudé, avec pour point commun une passion dévorante pour la couleur afin d’offrir au public une expérience visuelle intense et inoubliable, où chaque œuvre dialogue harmonieusement avec les autres, créant ainsi une symphonie chromatique captivante et inspirante. D’après un texte de Michèle ANSERMET PAPADOPOULOS, Responsable de la section « Chromatics ».

Nous vous présentons ici trois œuvres. De gauche à droite :

Michèle ANSERMET PAPADOPOULOS – A-MUSES-ER-VOUS
200 x 200 cm.

Betty CAMUS – Les lunettes rouges
Acrylique sur lin, 130 x 98 cm.

Andrée DE FREMONT – Inspiration Ventoux
Technique mixte sur toile, 120 x 140 cm.

Les œuvres mises en avant de Betty CAMUS et Andrée DE FREMONT se distinguent par leur dévouement à la couleur et leur sens aigu de la composition. Leur passion pour l’art enrichit la section Chromatics d’une énergie vibrante et créative.

Section « Expression libre » : Une plongée au cœur des émotions profondes

Crédits : Jean PRÉVOST – Le Moulin Rouge – 146 x 97 cm – Huile sur toile / Victor SASPORTAS – Au Musée – 146 x 114 cm – Acrylique sur toile / Esther MARTINEZ – It’s in on My Mind – 160 x 130 cm – Acrylique, huile, technique mixte sur toile.

Dans le monde de l’art, l’exploration des émotions et de l’individualité est une quête commune qui transcende les styles et les mouvements. C’est dans cet esprit que la section présente des artistes en Expression libre et des artistes expressionnistes. L’expressionnisme, né au début du 20^ème siècle, est reconnu pour sa capacité à transmettre des émotions profondes à travers des couleurs vives et des formes audacieuses, mettant le ressenti humain au cœur des œuvres. En parallèle, l’Expression libre se distingue par une créativité encore plus débridée. Les artistes qui s’inscrivent dans cette démarche s’affranchissent des conventions, explorant des techniques variées et des thèmes personnels, ignorant parfois les normes établies. Pour cette édition du Salon d’Automne, le public aura l’opportunité de découvrir une section vibrante où les œuvres illustrent une quête d’authenticité et d’émotion. Malgré la diversité des techniques et des inspirations, les artistes présents partagent une passion commune offrant une immersion captivante dans un univers où l’art reflète les émotions les plus profondes. D’après un texte de Victor SASPORTAS, Responsable de la section « Expression Libre ».

Nous vous présentons ici trois œuvres. De gauche à droite :

Jean PRÉVOST – Le Moulin Rouge
146 x 97 cm – Huile sur toile. Jean Prévost est un artiste du fauvisme, restant toujours fidèle à cette idée de l’art comme moyen d’expression personnelle. Son travail se caractérise par des couleurs vives ainsi que par des formes simplifiées, plutôt que de se concentrer sur la représentation réaliste. Dans ses œuvres les couleurs vibrantes et les compositions dynamiques créent une atmosphère joyeuse et expressive. Il trouve tout naturellement sa place dans la section « Expression libre » et nous en sommes ravis.

Victor SASPORTAS – Au Musée
146 x 114 cm – Acrylique sur toile.

Esther MARTINEZ – It’s in on My Mind
160 x 130 cm – Acrylique, huile, technique mixte sur toile.

Section « Héritage et Innovation » : entre allégorie et dénonciation

Crédits : Stefan BEIU – Leçon de Peinture – 300 x 210 cm / Victor GRUSEVAN – Macadam – 150 x 200 cm.

Dans cette section, les artistes utilisent leur pouvoir créatif pour inscrire leurs peurs, leurs enthousiasmes et leurs passions sur une toile vierge. Leurs œuvres varient entre l’allégorie et la représentation brute, avec une sélection restreinte de pièces engagées qui dénoncent des réalités contemporaines. Ces artistes choisissent de ne pas se contenter d’observer le monde, mais de mettre leur art au service de causes importantes. D’après un texte de Stefan BEIU, Responsable de la section « Héritage et Innovation ».

Nous vous présentons ici deux œuvres. De gauche à droite :

Stefan BEIU – Leçon de peinture
300 x 210 cm.

Victor GRUSEVAN – Macadam
150 x 200 cm.

Le travail de Victor GRUSEVAN se distingue non seulement par une technique remarquable, mais également par un engagement profond et sincère. Son parcours est jalonné de nombreuses distinctions prestigieuses qui témoignent de son talent exceptionnel et de la reconnaissance de son œuvre par ses pairs et par le public. Son approche artistique reflète une réelle maîtrise technique qui ne cesse d’évoluer et de surprendre. À travers son art, il aborde des thématiques fortes apportant une perspective unique et puissante qui interpelle et inspire.

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Jean-Christophe Lévêque, artiste peintre et président du Salon d’Automne : un engagement dans un esprit de liberté, de partage et de fraternité dans les arts.

« Je vivais dans un milieu où l’art, ou du moins la pratique d’un art, était si loin qu’il est presque qu’incroyable qu’une rencontre fut possible. Le hasard en a décidé autrement, quelque chose de puissant m’animait, une envie profonde de saisir l’instant et d’en exprimer une vision à travers la pratique artistique, mais ceci m’était tellement étranger que je ne savais comment m’y prendre et puis une rencontre, une ouverture et enfin la découverte par la pratique de la peinture et du dessin. Dans l’atelier des beaux-arts de la ville de Paris, j’ai tout pratiqué, essayé, j’étais tant passionné, tant désireux d’apprendre, de maîtriser des techniques et de pouvoir enfin les utiliser comme mes propres moyens d’expression. 

Ma peinture s’est affirmée, a pris forme, mais avec cet étrange sentiment de n’être toujours qu’au début, que tout est toujours à construire, à faire, avec toutes ces possibilités infinies. Je vois le chemin parcouru, les progrès faits, les étapes passées mais je suis dans un mouvement définitivement vers l’avant, toujours à la conquête de mon art. Je crois fermement à la force de l’Art et tout ce que cela apporte à l’humanité.

Ma rencontre avec le Salon d’Automne a quelque chose de l’ordre du magique. Je connaissais bien ce salon de par son passé prestigieux, de par les grandes figures qui s’y sont succédé, mais je n’avais qu’une piètre connaissance de sa structure, de ce qu’il était, de ce qu’il est ; et puis les choses se sont précipitées, après plusieurs expositions au salon, un prix, un investissement plus fort dans une section, puis au conseil d’administration, j’ai maintenant le grand privilège d’en être le président. J’espère vivement être à la hauteur de cette fonction. Avec énergie, force et détermination, dans un climat de bienveillance je mettrai tout en œuvre pour que cette merveilleuse aventure se poursuive dans un esprit de liberté, de partage et de fraternité dans les arts.

Dans un musée on découvre les œuvres d’artistes bien souvent disparus, dans les grands marchés d’art contemporains les galeries présentent les œuvres d’artistes sélectionnés, au Salon d’Automne on rencontre les artistes et leurs œuvres et on partage des moments intenses avec eux.

Ce salon organisé par des artistes pour des artistes reste fidèle à ses valeurs originelles, et ce sont bien tous les artistes exposants qui font de ce salon un événement exceptionnel ».

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Plus d’informations à propos de la 121^ème édition à retrouver ici :

Save the date : Le Salon d’Automne, Paris est de retour en octobre et sur les Champs-Elysées !

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Infos pratiques

Le Salon d’Automne

Salon international d’art contemporain depuis 1903 – 121^ème édition

Du mercredi 23 au dimanche 27 octobre 2024

Pavillons éphémères, avenue des Champs-Elysées, 75008 Paris

https://www.salon-automne.com/fr

Contacts presse 

Clara Moreno – clara@morenoconseil.com

Léa Gonçalves – lea@morenoconseil.com

Le Salon d’Automne, Paris

Salon international d’art contemporain depuis 1903

121^ème édition du 23 au 27 octobre 2024

Pavillons éphémères, avenue de Champs-Elysées, Paris

Pour sa 121^ème édition, Le Salon d’Automne renoue avec ses fondamentaux ! Ce salon historique d’art contemporain revient à sa saison originelle, l’automne, pour marquer l’ouverture de la saison culturelle parisienne. Il revient par ailleurs sur les emblématiques Champs-Elysées, à deux pas du Grand Palais, là où il est né en 1903.

Ce salon d’artistes fait par des artistes pour des artistes vous donne ainsi rendez-vous du 23 au 27 octobre prochains aux pavillons éphémères situés sur l’avenue des Champs-Elysées, lieu symbolique de son histoire qu’il avait quitté pour ses deux précédentes éditions.

Soutenu par le Ministère de la Culture et doté d’une renommée internationale avec plus de 40 nationalités représentées, le Salon d’Automne a permis, depuis ses débuts en 1903, de faire émerger des figures majeures et les mouvements à l’origine des révolutions artistiques du 20^ème siècle. Il est organisé autour d’une exposition, sur 3 000 m², de plus de 1 000 œuvres réunies en 19 groupes. 30 000 visiteurs sont attendus pour la nouvelle édition de ce rendez-vous international majeur de l’art contemporain qui promet une mise en valeur remarquable des œuvres en plein cœur de Paris et une expérience prolongée sur cinq jours.

Crédit : Affiche de Didier Thirion

 60 x 40 cm

Cliquez sur l’image pour obtenir la HD

Didier Thirion, l’artiste derrière l’affiche de la 121^ème édition :

L’œuvre originale sélectionnée pour l’affiche de l’édition 2024 du Salon d’Automne qui aura lieu en Octobre sur les Champs Élysées est signée Didier Thirion, sociétaire du Salon d’Automne de Paris depuis 2018, il est aujourd’hui responsable de la section Figuration. Diplômé de l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris en 1975, il a exercé l’activité de designer-graphiste et de directeur artistique pendant presque 40 ans au sein de sa propre agence parisienne. Cette affiche est le reflet de cette longue expérience de la communication graphique.

L’élément principal de cette composition graphique est structuré autour de deux anneaux symbolisant la vue, le regard avec une référence aux Sixties. Un hommage au Bauhaus et au mouvement constructiviste russe est également présent par la mise en page oblique et le choix basique de la gamme chromatique.

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Pour sa 121^ème édition, le Salon d’Automne retrouve son ADN

Après 2 ans d’exposition à la Grande Halle de la Villette, la 121^ème édition du Salon d’Automne sera quant à elle placée sous le signe d’un retour aux sources : le Salon renoue en effet avec ses traditions automnales et se tiendra du 23 au 27 octobre sur les Champs-Elysées au début de la saison culturelle parisienne.

A noter que cette édition est organisée en partenariat avec Moderne Art Fair : les deux salons se succèdent en effet sur le même lieu, le Salon d’Automne dans la continuité du Salon Moderne Art Fair.

Le Salon d’Automne durera 5 jours (au lieu de 4 habituellement) permettant ainsi à un public toujours plus nombreux de s’émerveiller devant les 1 000 œuvres présentées et de rencontrer leurs créateurs.

Nous avons le privilège d’accueillir comme parrain, pour cette 121^ème édition du Salon d’Automne, Yann Le Quellec réalisateur, producteur, scénariste français, et auteur de romans graphiques.

D’hier à aujourd’hui, un salon créé par des artistes, pour des artistes

C’est en 1903, dans les sous-sols du Petit Palais, en réaction à l’académisme régnant, que quelques amis rassemblés autour de l’architecte Frantz Jourdain, Guimard, Carrière, Desvallières, Bonnard, Rouault, Vallotton, Vuillard, Matisse, et tant d’autres, décidèrent d’organiser une exposition indépendante, dans le but de promouvoir les avant-gardes et les esprits novateurs de leur temps. Instigateur de la pluridisciplinarité et l’égalité des arts, Le Salon d’Automne était né, s’imposant comme témoin essentiel de l’émergence des plus importants mouvements artistiques du 20^ème siècle : fauvisme, surréalisme, cubisme, art abstrait, nouvelle figuration, etc.

Depuis son origine jusqu’à nos jours, Le Salon d’Automne a en effet participé à l’émergence de tous les courants artistiques majeurs du 20^ème siècle, en accueillant les plus grands noms de la peinture moderne comme Cézanne, Picasso en passant par l’Ecole de Paris, Dali, Zao Wou-Ki, de la sculpture, Maillol, Rodin, Camille Claudel, Bourdelle, Duchamp-Villon, de la musique, Debussy ou Ravel, de la poésie d’Apollinaire à Aragon, etc.

Fort de sa prestigieuse histoire, ce salon fait par des artistes, pour des artistes, n’ignore toutefois pas le présent, et encore moins l’avenir ! Il continue de faire la part belle à la création contemporaine avec des artistes reconnus. Cabu en 2013 et Wolinski ainsi que Moebius en 2015, Ousmane Sow en 2016, Jacques Villeglé, Yvon Taillandier et Ambroise Monod en 2017, François Cheng et Franquin en 2018, le philosophe et sociologue Frédéric Lenoir et le plasticien Michel Kirch en 2019, Guillaume Atlan, compositeur de musique électronique en 2020, Pascal Dusapin, compositeur dessinateur bibliophile en 2021 et Fabienne Thibeault en 2022 dans un même esprit de rassemblement. Tous ces créateurs ont offert au public une vision multidisciplinaire, libre et dynamique de l’art, sans distinction entre art majeur et art mineur.

Un événement pour réunir la grande famille de l’art contemporain

Le Salon d’Automne est ainsi et incontestablement le promoteur de tous les arts, sans distinction de hiérarchie. Depuis 1903, il renouvelle sa noble mission de donner aux artistes une tribune de choix en réunissant chaque année ce que la création actuelle a de plus dynamique et prometteur. La création régulière de nouvelles sections prouve par ailleurs son implication dans la représentation de toutes les créations artistiques, sans frontières et sans à priori. En 2021, l’art naïf faisait ainsi son apparition, suivi en 2022 d’une toute nouvelle section : Chromatics. Aujourd’hui, on ne dénombre pas moins de 11 sections artistiques : peinture, sculpture, architecture, gravure, dessin-peinture à l’eau, photographie, art environnemental, art singulier, art digital, livres d’artistes, et ailleurs.

Avec une section peinture composée de 9 groupes : Abstraction, Art naïf, Chromatics, Expression libre, Figuration, Héritage et Innovation, Imaginaires, Synthèse, Variations.

Le Salon d’Automne est organisé par la Société du Salon d’Automne, une association d’artistes, sans but lucratif, née en 1903, reconnue d’utilité publique depuis 1920, et dont le but est l’encouragement et le développement des beaux-arts dans toutes ses manifestations et particulièrement par des expositions tant en France qu’à l’étranger.

Et parce que de belles images valent souvent mieux que de longs discours, retour, en images, sur la dernière édition du Salon d’Automne :

Vidéo jour 1

Vidéo jour 2

Vidéo jour 3

Vidéo jour 4

Vidéo jour 5

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Infos pratiques

Le Salon d’Automne

Salon international d’art contemporain depuis 1903 – 121^ème édition

Du mercredi 23 au dimanche 27 octobre 2024

Pavillons éphémères, avenue des Champs-Elysées, 75008 Paris

Contacts presse 

Clara Moreno – clara@morenoconseil.com

Léa Gonçalves – lea@morenoconseil.com

Paris, novembre 2023 – Le 120^ème anniversaire du Salon d’Automne se tiendra à la Grande Halle de la Villette du 18 au 21 janvier 2024. Un événement foisonnant dédié à l’art contemporain sous toutes ses formes avec 10 sections artistiques représentées (peinture, sculpture, architecture, gravure, dessin-peinture à l’eau, photographie, art environnemental, mythes et singularité, art digital, livres d’artistes). Parmi ces sections, la peinture promet, au travers de 9 groupes (Abstraction, Art naïf, Chromatics, Expression libre, Figuration, Héritage et Innovation, Imaginaires, Synthèse, Variations) de belles découvertes. Parmi elles, Chromatics qui présentera 45 artistes peintres aux techniques variées : peinture à l’huile, acrylique, collage, techniques mixtes. Un groupe placé sous le signe de l’émotion qui met la couleur au service d’une créativité éclatante. Morceaux choisis.

De gauche à droite et de haut en bas : BENOUDIZ Lisa – Refuge animalier, GANOUCHE – Le Mondrianouche, DE FREMONT Andrée – Reflets d’or sur l’écume, MESKAR – Le cri – Hommage à l’Aita

« Chromatics est à la fois une célébration de la tradition artistique et une exploration audacieuse de la créativité contemporaine. Bienvenue dans notre univers flamboyant, où l’extraordinaire se mêle à l’ordinaire pour créer un spectacle artistique inoubliable. » Michèle Papadopoulos, responsable du groupe.

Chromatics : une Explosion de Couleurs au Salon d’Automne de Paris

Chromatics se veut être une célébration du dynamisme, de l’audace et de la folie artistique. Chaque œuvre, choisie avec soin, porte en elle l’essence de la vision du groupe : une combinaison vibrante de couleurs flamboyantes et de créativité effrénée. Tous animés par une passion débridée pour la couleur et la forme, les artistes du groupe promettent d’offrir aux visiteurs une expérience visuelle époustouflante.

Créé l’année dernière sous l’impulsion du Conseil d’Administration et pris en charge par l’artiste peintre Michèle Ansermet Papadopoulos, Chromatics promet d’être un phare d’innovation, de couleur et de créativité sans précédent. A l’occasion du 120^ème anniversaire du Salon d’Automne, il présentera 45 artistes.

« En seulement un an, Chromatics a évolué pour devenir un espace vibrant où la couleur, la composition et l’expression artistique se rejoignent d’une manière tout à fait unique. Notre mission est claire : créer un nouveau mouvement de peinture que j’ai proposé de baptiser « Chromatisme ». En tant que responsable de Chromatics, j’ai voulu que ce groupe incarne ma passion pour la couleur et la composition. Chromatics est à la fois une célébration de la tradition artistique et une exploration audacieuse de la créativité contemporaine. Les artistes qui composent notre groupe sont soigneusement sélectionnés en fonction de leur capacité à capturer l’essence de la couleur et de la composition, et à la redéfinir dans un monde en constante évolution ». Michèle Papadopoulos

Zoom sur 4 découvertes de Chromatics pour les 120 ans du Salon d’Automne

Andrée de Frémont

Originaire de Paris, cette artiste a obtenu un diplôme d’études supérieures en arts graphiques et plastiques et a étudié à l’atelier d’art monumental Jacques Brachet. Rapidement remarquée au Salon des Artistes Français, sa carrière l’a menée à exposer à Tokyo, Montreux, Helsinki, et Koweït City. Dès 1993, elle a été honorée par de nombreux salons français et a reçu de nombreux prix. Outre son travail en tant qu’artiste, elle est commissaire d’expositions et a réalisé des fresques et mosaïques monumentales en région parisienne.

Ganouche

Gaël Rollet, un infirmier autodidacte en dessin, a mis de côté sa passion pendant des années pour se dédier à sa profession. Toutefois, durant le confinement de 2020, alors qu’il faisait partie des rares à pouvoir se déplacer pour son travail, il ressentit un bouleversement émotionnel face à l’isolement général. Cette période lui permit de renouer avec son amour pour le dessin et d’exprimer ses sentiments face à l’enfermement. C’est ainsi qu’il donna naissance à un personnage distinctif, le Ganouche, reflet de ses émotions durant cette époque troublée.

Lisa Benoudiz

Lisa, une artiste autodidacte bercée par un milieu artistique, est renommée pour ses peintures d’animaux, notamment les maîtres de la nature sauvage comme les zèbres, girafes, et tigres. Elle les représente avec des expressions émotionnelles profondes, les capturant souvent en regardant le spectateur directement. L’artiste utilise principalement de l’acrylique pour peindre sur des toiles de différentes tailles. Elle a été reconnue pour son talent, recevant plusieurs prix prestigieux.

Meskar

Abdelkader est né en 1961 à Casablanca au Maroc. Dès son enfance, il montre un intérêt prononcé pour la peinture, préférant cela aux jeux traditionnels de son âge. Sa famille reconnaît et soutient son talent, l’encourageant à montrer ses œuvres. Il poursuit cette passion en étudiant à l’Ecole des Arts Appliqués de Casablanca en 1982. Après ses études, Abdelkader devient professeur d’arts plastiques, partageant ainsi son talent avec d’autres. La même année, il organise sa première exposition à la maison de la jeunesse Sidi Bernoussi à Casablanca, marquant le début de sa carrière en tant qu’artiste.

A propos de Michèle Ansermet Papadopoulos : l’artiste de la couleur et de la composition, responsable du groupe Chromatics

Michèle Ansermet Papadopoulos est une artiste multiculturelle franco-suisse, née à Paris en 1947. Elle partage son temps entre Chypre et Paris, deux lieux qui ont influencé son travail de manière significative. Son parcours artistique a débuté à l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs (ENSAD) de Paris, où elle a étudié l’art, guidée par une passion précoce pour le dessin et la couleur.

Ce qui caractérise le travail de Michèle, ce sont les couleurs vibrantes, la composition audacieuse et les messages subtils qui émanent de ses œuvres. Son art incarne l’énergie, la passion et l’expression artistique. Elle a été influencée par des maîtres de l’art, mais elle les revisite avec une touche personnelle unique, créant un dialogue captivant entre le passé et le présent.

Son rôle de responsable du groupe Chromatics au Salon d’Automne illustre son engagement envers l’innovation artistique et la découverte de nouvelles perspectives sur la couleur. Michele Ansermet Papadopoulos est une artiste qui repousse constamment les limites de son art, partageant des messages de beauté, de créativité et de positivité.

ANSERMET PAPADOPOULOS Michèle – Jacqueline – 200 x 140 cm – technique mixte sur toile

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Les 120 ans du Salon d’Automne

D’hier à aujourd’hui, un salon créé par des artistes, pour des artistes

C’est en 1903, dans les sous-sols du Petit Palais, en réaction à l’académisme régnant, que quelques amis rassemblés autour de l’architecte Frantz Jourdain, Guimard, Carrière, Desvallières, Bonnard, Rouault, Vallotton, Vuillard, Matisse, et tant d’autres, décidèrent d’organiser une exposition indépendante, dans le but de promouvoir les avant-gardes et les esprits novateurs de leur temps. Instigateur de la pluridisciplinarité et de l’égalité des arts, Le Salon d’Automne était né, s’imposant comme témoin essentiel de l’émergence des plus importants mouvements artistiques du 20^ème siècle : fauvisme, surréalisme, cubisme, art abstrait, nouvelle figuration, etc.

Depuis son origine jusqu’à nos jours, Le Salon d’Automne a en effet participé à l’émergence de tous les courants artistiques majeurs du 20^ème siècle, en accueillant les plus grands noms de la peinture moderne comme Cézanne, Picasso en passant par l’Ecole de Paris, Dali, Zao Wou-Ki, de la sculpture, Maillol, Rodin, Claudel, Bourdelle, Duchamp-Villon, de la musique, Debussy ou Ravel, de la poésie d’Apollinaire à Aragon, etc.

Fort de sa prestigieuse histoire, ce salon fait par des artistes, pour des artistes, n’ignore toutefois pas le présent, et encore moins l’avenir ! Il continue de faire la part belle à la création contemporaine avec des artistes reconnus. Cabu en 2013 et Wolinski ainsi que Moebius en 2015, Ousmane Sow en 2016, Jacques Villeglé, Yvon Taillandier et Ambroise Monod en 2017, François Cheng et Franquin en 2018, le philosophe et sociologue Frédéric Lenoir ou encore le plasticien Michel Kirch en 2019, etc. dans un même esprit de rassemblement. Tous ces créateurs ont offert au public une vision multidisciplinaire, libre et dynamique de l’art, sans distinction entre art majeur et art mineur.

Un événement pour réunir la grande famille de l’art contemporain

Le Salon d’Automne est ainsi et incontestablement le promoteur de tous les arts, sans distinction de hiérarchie. Depuis 1903, il renouvelle sa noble mission de donner aux artistes une tribune de choix en réunissant chaque année ce que la création actuelle a de plus dynamique et prometteur. La création régulière de nouvelles sections prouve par ailleurs son implication dans la représentation de toutes les créations artistiques, sans frontières et sans à priori. En 2021, l’art naïf faisait ainsi son apparition, suivi en 2022 d’une toute nouvelle section : pop illustration devenue Chromatics pour les 120 ans du Salon d’Automne. Aujourd’hui, on ne dénombre pas moins de 10 sections artistiques : peinture, sculpture, architecture, gravure, dessin-peinture à l’eau, photographie, art environnemental, mythes et singularité, art digital, livres d’artistes. Et dont la section peinture compte 9 groupes : Abstraction, Art naïf, Chromatics, Expression libre, Figuration, Héritage et Innovation, Imaginaires, Synthèse, Variations.

Le Salon d’Automne est organisé par la Société du Salon d’Automne, une association d’artistes, sans but lucratif, née en 1903, reconnue d’utilité publique depuis 1920, et dont le but est l’encouragement et le développement des beaux-arts dans toutes ses manifestations et particulièrement par des expositions tant en France qu’à l’étranger.

Crédit : Affiche de David Labrousse pour la 120ème édition du Salon d’Automne

Composition abstraite, Collage papier sur support carton, 60 x 40 cm, signé bas droit, 2023, sans titre.

Les différents communiqués de presse du Salon d’Automne :

120 ANS DU SALON D’AUTOMNE : ZOOM SUR LA SECTION SYNTHÈSE, ENTRE FIGURATION ET ABSTRACTION

120 ANS DU SALON D’AUTOMNE, PARIS : HOMMAGE À POMPON

SALON D’AUTOMNE, PARIS : SON AFFICHE ET SON INVITÉ D’HONNEUR DÉVOILÉS !

ARCHIVES DU SALON D’AUTOMNE DE 1944, LE «SALON DE LA LIBÉRATION» OU LE «SALON DE PICASSO»

LE SALON D’AUTOMNE BOOSTE LA NOUVELLE GÉNÉRATION D’ARTISTES

UNE NOUVELLE SAISON POUR LE SALON D’AUTOMNE, PARIS

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Infos pratiques

Le Salon d’Automne

Salon international d’art contemporain depuis 1903 – 120 ans

Du jeudi 18 au dimanche 21 janvier 2024

Grande Halle de la Villette, 211 avenue Jean Jaurès, 75019 Paris

Contacts presse 

Clara Moreno –  clara@morenoconseil.com

Léa Gonçalves –  lea@morenoconseil.com

De 1914 à 1918, Mathurin Méheut (1882-1958), peintre, décorateur et céramiste breton a combattu sur presque tous les fronts. De 1914 à 1916, en Artois et en Argonne, il participe en 1^ère ligne aux violents combats de la guerre de tranchées. En 1916, ses talents d’observateur et de dessinateur ajoutés à la qualité de ses relevés topographiques le conduisent au Service topographique de l’Armée à Sainte-Menehould dans la Marne.

Entre chaque assaut, l’artiste consacre l’essentiel de son temps libre à « croquer » les poilus. Quotidiennement et par tous les temps, en première ligne, dans les tranchées comme au cantonnement, il fait des croquis, peint des aquarelles et des gouaches. Il s’attache aux détails, à ces petits riens qui racontent la vie telle qu’elle est. De ses visions de l’enfer, Méheut restitue les scènes familières avec une grande pudeur. Son œuvre est un témoignage d’une rare précision sur la vie quotidienne du front.  Plus de cinquante dessins jalonnent l’exposition.

Informations pratiques :

Du 15 septembre 2018 au 3 mars 2019
Ouvert du mardi au vendredi de 14h à 17h30 et les samedi, dimanche et jours fériés de 10h30 à 12h30 et  de 14h à 17h30

Musée Daubigny

Manoir des Colombières, Rue de la Sansonne

95430 Auvers-sur-Oise

www.museedaubigny.com

Plein tarif : 5 euros
Tarif réduit : 2 euros (demandeurs d’emploi, personnes en situation de handicap, étudiant, habitants de la CCSI)
Gratuit (moins de 18 ans, journalistes)
Accueil des groupes scolaires sur réservation pour une visite de l’exposition suivie d’un atelier d’art plastique – tarif 3 euros par élève
Accueil sur réservation des groupes adultes en visite simple – tarif 3 euros par personne
Accueil sur réservation des groupes adultes en visite guidée – tarif 5 euros par personne

ICI Montreuil expose les œuvres d’Aliénor de Cellès

Montreuil, le 27 novembre 2017 – Du 14 décembre 2017 au 15 janvier 2018, la Galerie Made in Montreuil située au sein de l’usine à créateurs ICI MONTREUIL, accueillera les œuvres de l’artiste peintre Aliénor de Cellès pour une exposition rétrospective « Une année de peinture Made in Montreuil ».

Créatrice, peintre, bidouilleuse, fouineuse, l’esprit d’Aliénor de Cellès vagabonde depuis toujours entre l’art et la mode. Passée par le stylisme et les costumes de scène, le dessin est la base qui lui permet de diversifier les supports où s’infiltre son style, où s’insuffle son univers. En vraie passionnée, Aliénor n’a jamais cessé de peindre, de coudre ou de bricoler.

Résidente chez ICI Montreuil, Aliénor de Cellès poursuit sa déambulation de croqueuse sur toiles et papiers. Une année bien remplie, avec huit expositions « réfléchissantes » en France en 2017. Pour cette dernière de l’année 2017, il vous est proposé un choix de toiles et peintures caractérisant ce laps de temps et donnant à entrevoir un itinéraire émotionnel et technique.

« J’aime raconter des histoires dans mes tableaux, avec une part d’insolite ou d’énigmatique qui laisse au regardeur la possibilité de broder son propre mythe. Comme un fragment de scène, avec un avant et un après libre d’interprétation, la part qui appartient à l’indicible, la perception de tout un chacun. Cette interaction ouvre de nouvelles perspectives et me donne des idées. Je veux garder une vision poétique du monde embrassant l’intemporel et l’immense domaine de la mémoire et de l’imaginaire. Je suis une promeneuse née, un grand piéton. Ce petit jeu de la promenade errante est devenu une constante existentielle. Mon œil se laisse bercer par un textile, un visage, une posture, un détail et c’est le début… » Aliénor de Cellès

Une année de peinture Made in Montreuil

Du 14 décembre 2017 au 15 janvier 2018

De 12h à 17h

Galerie Made in Montreuil

ICI Montreuil, 135 Bd de Chanzy, 93100 Montreuil

Vernissage le 15 décembre à 18h00

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À propos d’ICI Montreuil

ICI MONTREUIL une manufacture solidaire et collaborative de 1800 m2 créée en 2012 par Christine et Nicolas Bard pour les artistes, les artisans, les entrepreneurs et les startups de la création. 170 résidents et startups (1/3 artisans d’art, 1/3 artistes-plasticiens, 1/3 numériques-services) totalisent 63 savoir faire artisanaux, artistiques et technologiques et disposent d’ateliers collectifs de travail, d’espaces de coworking, de machines mutualisées pour prototyper et construire, de services, des connexions et de l’inspiration pour faire grandir et exister leurs projets. makeici.org/icimontreuil/  

Contact presse : Clara Moreno – clara(at)morenoconseil(point)com

Tout d’abord avec la Saison touristique et culturelle « Sur les pas de Daubigny, aux sources de l’Impressionnisme »  qui se poursuit jusqu’au 17 septembre. À travers ses musées, ses maisons et ateliers d’artistes, la reconstruction du bateau-atelier de Daubigny (qui sera dévoilé pour la première fois au public le samedi 16 septembre pour les Journées du Patrimoine), ses patrimoines bâtis, naturels et ses bords d’Oise, Auvers-sur-Oise est l’unique destination impressionniste en France à fêter – avec le soutien du Comité Régional du Tourisme d’Ile-de-France –, le bicentenaire de la naissance de Charles François Daubigny (1817-1878) et à rendre hommage à cette figure artistique majeure qui a fait de ce petit village d’artistes l’une des premières étapes sur la route des impressionnistes. 

Ensuite, et ce jusqu’au 15 septembre, Auvers-sur-Oise participe à la seconde édition de  « Un été impressionniste » et prévoira les 23 et 29 juillet et 20 août de nombreuses animations en lien avec l’impressionnisme (théâtre, caricaturiste, jeux, etc.). Une démarche qui associe la  Maison du Tourisme Normandie Giverny (27), l’Office de tourisme d’Auvers-sur-Oise (95) et l’Office de tourisme du Pays des Impressionnistes (78) et qui fédère trois lieux incontournables dans la naissance et l’évolution de l’Impressionnisme : Giverny, surnommé le « Berceau de l’Impressionnisme », et qui fut une véritable source d’inspiration pour de nombreux artistes, comme l’illustre peintre Claude Monet qui y vécut notamment pendant 43 ans ; Le Pays des Impressionnistes, situé dans les Yvelines (Ile-de-France), et constitué de 7 villes phares qui ont inspiré de nombreux peintres, dont le célèbre Pierre-Auguste Renoir ; et Auvers-sur-Oise, célèbre pour avoir accueilli plusieurs peintres impressionnistes au XIXème siècle dont Vincent van Gogh. Toutes les infos sur « Un été impressionniste » dans le lien ci-dessus.

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En 2017, Auvers-sur-Oise fête le bicentenaire de la naissance de Daubigny

Charles François Daubigny (1817-1878) est considéré comme l’un des précurseurs de l’Impressionnisme. Pour la première fois dans le monde de l’art en 2016, trois expositions internationales majeures à Cincinnati, Edimbourg puis à Amsterdam ont d’ailleurs exploré l’interaction entre Daubigny, Monet et Van Gogh.

Charles François Daubigny séjournera 18 ans à Auvers-sur-Oise et compte parmi les peintres les plus importants que la ville ait connus : Daumier, Corot, Pissarro ou encore Cézanne. Il contribuera à renouveler profondément la peinture de paysage en expérimentant de nouvelles techniques et des cadrages inédits notamment à bord de son fameux bateau-atelier, Le Botin, dont l’exposition le samedi 16 septembre pour les Journées du Patrimoine constitue l’un des événements majeurs de la saison  touristique et culturelle de 2017.

La biographie complète de Charles François Daubigny  se trouve dans le dossier de presse.

L’affiche de la Saison / Portrait de Charles François Daubigny / Daubigny – La fête villageoise (tous @Musée Daubigny)

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« Sur les pas de Daubigny, aux sources de l’Impressionnisme »

Programme touristique et culturel – Jusqu’au 17 septembre 2017

Le dossier de presse avec l’ensemble de  la programmation et toutes les informations pratiques pour organiser votre visite à Auvers-sur-Oise peuvent être téléchargés en cliquant ICI

Les incontournables de la Saison autour de Daubigny

Présentation du bateau-atelier de Charles-François Daubigny

Initiée en 2016 par la Ville d’Auvers-sur-Oise, la famille Raskin descendant de Daubigny, l’association Sequana et des bénévoles Auversois,  la reconstruction du premier bateau-atelier de Daubigny, « le Botin », selon les plans d’origine, s’achèvera avec sa présentation sur la place de la Mairie d’Auvers-sur-Oise le samedi 16 septembre pour les Journées du Patrimoine.

Précurseur et fervent défenseur des impressionnistes, Daubigny est le peintre de l’eau, « le peintre merveilleux et véridique des bords de la Seine et de l’Oise » dira Zola. Il a été le premier peintre à concevoir et utiliser un bateau-atelier équipé d’une cabine, pour peindre plus commodément les paysages ; il sera ensuite imité par Monet, Bonnard et d’autres. A partir de 1857, ce sont de véritables croisières qu’il effectue avec son fils Karl et ses amis peintres. Il sillonne ainsi l’Oise, jusqu’à Compiègne, l’Aisne, l’Yonne et la Seine jusqu’à Honfleur. Admiré par Vincent van Gogh, ce dernier lui rendra hommage en peignant Le jardin de Daubigny.

Juillet-août : Assemblage, finitions à Auvers-sur-Oise

16 septembre : Présentation du Botin sur la place de la Mairie à Auvers-sur-Oise avec un programme spécial Journées du Patrimoine : celui-ci débutera à 14h au Musée Daubigny avec le vernissage de la seconde partie de l’exposition “Aux sources de l’impressionnisme” consacrée à Daubigny (voir plus bas) et se poursuivra dans les rues d’Auvers-sur-Oise avec des interventions théâtrales pour se terminer à 16h place de la Mairie avec la présentation du Botin.

Rendez-vous dans le dossier de presse pour tout savoir sur ce projet communautaire exceptionnel pour la préservation de notre héritage historique, artistique et fluvial et sur http://chantierdaubigny-lebotin.eklablog.fr/ pour suivre la progression du chantier.

Maison-atelier de Daubigny : premier foyer artistique d’Auvers-sur-Oise

En 1861, Charles François Daubigny, peintre paysagiste d’une grande renommée, s’installa à Auvers-sur-Oise où il fit venir ses amis artistes. C’est ainsi que le premier foyer artistique d’Auvers-sur-Oise vit le jour. Aujourd’hui les exceptionnels décors qui ornent les murs de cette maison-atelier (200 m²), peints par Daubigny père et ses enfants, mais aussi par Corot, Daumier ou encore Oudinot, témoignent du bonheur familial et de l’effervescence artistique de cette époque. Classé monument historique en 1993 et labellisé « Maisons des Illustres » en octobre 2014, ce lieu de mémoire invite à s’imprégner d’une atmosphère authentique et d’une ambiance préservée.

Jusqu’au 29 octobre

Evénement : Journées du Patrimoine les 16 et 17 septembre

La Maison atelier de Daubigny (@ Colombe Clier – Maison Atelier de Daubigny) 

Au Musée Daubigny : exposition « Aux sources de l’Impressionnisme »

Après Cincinnati, Edimbourg et Amsterdam, le musée Daubigny présente une exposition exceptionnelle de 90 œuvres originales,  unique en France entièrement dédiée à Charles François Daubigny, père fondateur de l’Impressionnisme et fervent défenseur des Impressionnistes. Découvrez la personnalité forte et attachante de l’artiste à travers des toiles inédites qui dévoilent le plaisir palpable qui l’habita lors de ses séances de peinture en famille et entre amis. Près de quatre-vingts œuvres, peintures, gravures, dessins et clichés-verres jalonnent l’exposition. Le parcours vous présente l’évolution de son œuvre et comment l’artiste peignant sur l’Oise ou sur la Seine, à bord de son bateau-atelier « Le Botin », renouvelle les points de vue et l’atmosphère du paysage fluvial. Le ciel et l’eau en deviennent les atouts majeurs. Les sites peints en Normandie, où Daubigny fréquenta Villerville, près d’Honfleur pendant plus de trente ans, révèlent une vigueur dans l’expression et une modernité dans la technique chez cet artiste pour lequel peindre la mer est une révélation. Vous percevrez aussi l’influence du maître sur ses élèves, dont beaucoup travaillèrent près de lui dans la région d’Auvers, puis au fil de l’Oise et de la Seine, jusqu’à la Manche.

Jusqu’au 3 septembre

Au Musée de l’Absinthe : exposition « Honoré Daumier, l‘ami de Daubigny »

Caricaturiste, peintre, lithographe et sculpteur, Honoré Daumier résidant à Valmondois, tout près d’Auvers, venait régulièrement aider son ami Charles François Daubigny à décorer sa maison-atelier. Auteur de plus cinq mille dessins et d’une centaine de toiles, Daumier a collaboré dans la presse à La Caricature où il réalisa des portraits-charge de la Chambre en 1831 et des caricatures politiques. Dans Le Charivari, il fit surtout des portraits-charge de 1830 à 1836 puis de grandes caricatures de mœurs de 1837 à 1843. Ses dessins sont signés de son prénom Honoré, d’autres de son pseudonyme Rogelin.

Jusqu’au 29 octobre                   

Le Musée Daubigny (salle d’exposition permanente) / Honoré Daumier – Le Charivari, 1863 (@Collection Musée de l’Absinthe)

À la Maison du Dr Gachet : exposition « Dans l’intimité des collectionneurs »

La Maison du docteur Gachet propose une exposition inédite rassemblant les œuvres de plusieurs collectionneurs privés, dont les choix, affaire de goûts, affaire de cœur, affaire de curiosité, dessinent une œuvre à part entière et un portrait en creux de la figure du collectionneur. Quoi de mieux pour illustrer ce portrait chinois que la maison de l’un des plus célèbres  collectionneurs, le docteur Gachet,  dont les chefs d’œuvre réunis tout au long de sa vie et de ses rencontres avec les artistes de son temps constituent un ensemble exceptionnel aujourd’hui exposé au musée d’Orsay ?

Du 8 juillet au 29 octobre 2017

Contact presse : Gaëlle CUEFF – 01 42 41 64 98 – gaelle.cueff@orange.fr

La chambre de Van Gogh à l’Auberge Ravoux dite « Maison de Van Gogh » 

Située au cœur du village d’Auvers-sur-Oise, la mansarde de Van Gogh, lieu de mémoire classé Monument Historique en 1985, est aujourd’hui l’unique chambre où vécut Van Gogh conservée dans son état originel. Son animation culturelle est assurée par l’Institut Van Gogh, créé en 1987. L’Institut Van Gogh s’implique aussi souvent que possible dans des actions visant à préserver la mémoire, l’âme et l’esprit de Van Gogh à Auvers-sur-Oise. Le projet essentiel de l’Institut est d’acquérir un tableau auversois de Van Gogh afin de l’exposer dans la chambre n° 5 de l’Auberge Ravoux et de réaliser ainsi le rêve de Van Gogh qui, de l’Auberge Ravoux, écrivait le 10 juin 1890, à son frère Theo : «Un jour ou un autre, je crois que je trouverai moyen de faire une exposition à moi dans un café ».

Auberge Ravoux, dite « Maison de Van Gogh » : L’escalier menant à la chambre de Van Gogh (@Institut Van Gogh) / Affiche de l’exposition « Dans l’intimité des collectionneurs » à la Maison du Dr Gachet

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Rentrez dans l’intimité des artistes

La sensibilité de Van Gogh ne s’y est pas trompée, Charles-François Daubigny avait découvert le lieu d’inspiration, niché entre l’Oise et le plateau du Vexin. À notre tour, glissons-nous dans ces paysages et laissons-nous comme le disait Van Gogh « entrainés entièrement, irrésistiblement vers le paysage en soi ». Cette année, la saison culturelle et touristique d’Auvers-sur-Oise vous propose d’entrer dans l’intimité des artistes.

Les ateliers Boggio : un lieu inspiré encore « dans son jus »

Une belle maison ancienne et son jardin qui fleure bon l’Impressionnisme est actuellement habitée par son propriétaire Xavier Boggio, arrière petit- neveu d’Émile. La maison, propriété de la famille depuis plus de cent ans, a été la maison atelier du peintre Émile Boggio de 1910 à 1920. Xavier Boggio, lui-même peintre et sculpteur, veille avec passion sur ce lieu inspiré encore « dans son jus » où il vit et travaille entouré des œuvres originales de son grand oncle. Désireux de conserver ce lieu de mémoire et de le faire vivre en l’ouvrant au public et aux artistes, il vous accueille chez lui pour vous faire partager son art de vivre.

La Villa Daumier (à Valmondois)

Centre d’exposition d’artistes contemporains, l’esprit créateur du célèbre caricaturiste Honoré Daumier se perpétue aujourd’hui à la villa Daumier de Valmondois. C’est dans ce village que se produisirent quelques éléments marquant dans l’histoire de l’art de la fin du XIXème siècle : le peintre Charles François Daubigny, mis autrefois en nourrice à Valmondois (la maison de la mère Bazot), y achète une maison qu’il cède à Adolphe Victor Geoffroy-Dechaume, lequel y entraîne Honoré Daumier en 1865. Daumier devait y mourir en 1879 et être provisoirement inhumé dans le cimetière communal avant sa translation au Père Lachaise en 1880.

A noter : À la croisée de l’Avenue verte Paris-Londres et de la route européenne de Van Gogh, la ville d’Auvers-sur-Oise est signataire du contrat de destination Impressionnisme Normandie-Paris Ile-de-France pour porter la destination en tant que véritable musée à ciel ouvert où les artistes du passé et du présent, en quête d’impressions à saisir, se réunissent pour interpréter le paysage. L’Office de tourisme propose des escapades nature et culturelles « clé en main » pour particuliers et professionnels, en individuels ou en groupes.

Les ateliers Boggio / Le Jardin de Daubigny de Van Gogh

L’art contemporain s’expose à Auvers-sur-Oise

L’art contemporain trouve une parfaite résonnance à Auvers quant à son histoire étroitement liée à la pratique picturale. La ville abrite depuis près de 25 ans une cité d’artistes où vivent et travaillent vingt plasticiens, toutes techniques confondues.

À la Galerie d’art contemporain : le GRAP’S (Collectif) propose une programmation sur le thème du paysage et de la lumière en regard de l’œuvre de Daubigny

Depuis février 2016, l’association Grap’s est en charge de la programmation de la galerie municipale d’art contemporain. Grap’s est le projet d’un collectif d’artistes plasticiens professionnels vivant et travaillant à Auvers-sur-Oise. Œuvrant dans toutes les techniques plastiques, ce collectif souhaite dynamiser et amplifier les actions de valorisation de leurs pratiques. Pour cette saison 2017, le Grap’s propose une série d’expositions, de rencontres et de conférences sur le thème du paysage et de la lumière en regard de l’œuvre de Daubigny. Cette programmation sera accompagnée de prestations musicales, en partenariat avec le Festival d’Auvers-sur-Oise.

DAOUD, artiste plasticien : peintre invité du 37ème Festival d’Auvers-sur-Oise

Artiste Franco Libanais, DAOUD vit dans le Vexin Parisien en travaillant en France et à l’étranger. Il a suivi sa formation aux Beaux-arts et à l’École Supérieure Nationale des Arts Décoratifs de Paris. Il parfait sa technique auprès du grand sculpteur Charles Auffret, formé lui-même par l’atelier des élèves de Rodin. Sa peinture, contemporaine, sincère et authentique s’adapte à ses thèmes profonds : le voyage, l’éloignement, l’absence et l’éphémère dans l’éternité. Il a été l’invité de la 37^ème édition du Festival d’Auvers-sur-Oise (jusqu’au 7 juillet), un des plus prestigieux festivals de musique d’Europe.

Jusqu’au 27 août

Tableau de Daoud / Portrait de Daoud / La Galerie d’Art Contemporain

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Les incontournables…

Le cimetière d’Auvers : avec les tombes de Theo et Vincent van Gogh. A noter qu’actuellement, en partenariat avec la ville d’Auvers-sur-Oise, l’Institut Van Gogh mène une campagne d’appel aux dons « Devenez mécène de Vincent et Theo van Gogh » visant à lever 600.000 €. Ces 600.000 € sont destinés à financer les travaux nécessaires à la préservation des tombes des frères Van Gogh, à la sécurisation du cimetière d’Auvers-sur-Oise, à la restructuration des abords de l’église Notre-Dame d’Auvers (dont seul le bâtiment est classé Monument Historique) – tels qu’immortalisés par le célèbre tableau de Vincent van Gogh – ainsi qu’à l’aménagement de la sente reliant l’Église au cimetière.

L’Église d’Auvers : au sommet d’une petite colline, prend des allures de sanctuaire musical pendant la durée du Festival. Véritable tableau vivant, elle nous rappelle constamment la présence de Vincent van Gogh. C’est « le » lieu emblématique de chaque Opus. Cette année, l’Église d’Auvers accueillera la 37ème édition du Festival d’Auvers.

Le Château d’Auvers-sur-Oise : Le nouveau concept de visite en préparation au Château d’Auvers-sur-Oise retracera l’histoire de l’Impressionnisme, de sa naissance aux héritiers. Ouverture prévue automne 2017.

Les tombes de Theo & Vincent Van Gogh (photo de Erik Hesmerg) / L’Église d’Auvers-sur-Oise

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Coup de pouce…

L’Institut Van Gogh a lancé le concours #PaintForVanGogh pour soutenir son opération « Devenez mécène de Vincent et Theo »

L’Institut encourage ceux qui le souhaitent à réaliser une œuvre originale en hommage à Vincent van Gogh et à la publier sur Instagram en mentionnant le compte @InstitutVanGogh et le hashtag #PaintForVanGogh. A la fin du concours, les artistes dont les œuvres auront reçu le plus de likes seront récompensés par une campagne de promotion accompagnée d’une exposition de leur œuvre à Auvers-sur-Oise. Les œuvres lauréates seront mises aux enchères et contribueront financièrement aux 600 000 € recherchés pour financer la préservation des tombes des frères Van Gogh au cimetière d’Auvers-sur-Oise et l’aménagement des abords de l’église Notre-Dame d’Auvers tels qu’immortalisés par le peintre.

Jusqu’au 30 septembre 2017

Pour plus de détails sur les conditions de participation, téléchargez le règlement du concours ici.

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Contact Presse (France & International)

Clara Moreno : clara (at) morenoconseil (point) com

Note pour la rédaction

-Vous pouvez télécharger le dossier de presse avec l’ensemble de  la programmation et toutes les informations pratiques pour organiser votre visite a Auvers-sur-Oise en cliquant ICI

-Vous pouvez télécharger les visuels du présent communiqué de presse en HD avec un clic droit sur chacune des images

-Tous les visuels de la saison en haute résolution et libres de droits sont disponibles ICI

-Plus d’informations sur www.tourisme-auverssuroise.fr et sur la page Facebook de La Saison Touristique et culturelle “Sur les pas de Daubigny, aux sources de l’Impressionnisme”.