Salon international d’art contemporain depuis 1903

122^ème édition du 29 octobre au 2 novembre 2025

Pavillons éphémères, Place de la Concorde, Paris

Paris, octobre 2025 – Pour sa 122ᵉ édition, Le Salon d’Automne vous donne rendez-vous du 29 octobre au 2 novembre, place de la Concorde, à quelques encablures du Petit Palais où il est né en 1903. 1 000 artistes, issus de 48 nationalités et répartis en 19 sections, exposeront leurs œuvres sur deux pavillons couvrant plus de 4 000 m². Pendant 5 jours, 30 000 visiteurs y sont attendus pour célébrer la diversité de l’art contemporain.

Parmi les 13 artistes italiens qui y exposeront, focus sur 6 d’entre eux, témoins de l’effervescence créative de ce rendez-vous majeur de l’art contemporain.

Crédits : MORELLI Federico – Le sacre du printemps – 103 x 200 cm – acrylique sur toile – ADDUCCHIO Gaia – Naked#she – Untitled (67 – 29A) – 50 x 40 cm – Gelatin silver print on baryta paper sur papier photo – MARCHETTI Amedeo – All’alba delle 6 c’è una festa che non vuole la fine e un sole birichino che non vuole mattino – 150 x 150 cm – huile sur toile – PICCIOTTO Simone – L’oiseau – 150 x 120 cm – acrylique, encre et aquarelle  – SALZANO Gabriella – De la mélancolie à la lumière – 61 x 154 cm –  Peinture acrylique sur toile en lin – GORINI Giovanni – Ritmi del tempo – 42 x 35 cm – Aquatinte 

Cliquez sur chaque visuel pour télécharger la version HD ou téléchargez l’ensemble des œuvres présentées ainsi que l’affiche du Salon d’Automne 2025 ici

Entre peinture et gravure, six portraits d’artistes italiens qui font vibrer le Salon d’Automne 2025

Federico Morelli – Section Expression libre

Federico Morelli est né à Terni en 1961. Il a commencé à peindre très tôt. Après avoir suivi une formation artistique sous la direction du maître ombrien Vittorio Cecchi, qui l’a orienté vers l’utilisation des couleurs à l’huile et des aquarelles liquides, il a obtenu sa première reconnaissance en 1974 dans la cathédrale d’Orvieto dans le cadre du concours artistique Various Art Competition. Bien qu’orienté vers l’Académie des Beaux-Arts, il a entrepris des études économiques et a travaillé comme directeur commercial pour des groupes financiers internationaux. Sa passion pour l’art est toujours vivace, il étudie les techniques des grands maîtres et participe à des expositions en Italie et à l’étranger. Il pratique une peinture fauviste, qui met en valeur les émotions et la spiritualité de la vie humaine par le trait et la couleur. Ses œuvres sont un engagement en faveur de la protection de la dignité et des droits de chaque personne, une dénonciation consciente et un cri contre la guerre et toute forme de violence, d’inégalité, de répression et d’intolérance. Une lumière sur les réalités négligées qui existent en marge de la société et une réflexion sur les conditions de vie humaines. En août 2023, il a été sélectionné pour exposer au 120e anniversaire du Salon d’Automne, à La Grande Halle de La Villette à Paris, en janvier 2024. Il expérimente continuellement, passant des techniques de peinture traditionnelles à de nouvelles formes d’art numérique, avec l’application des technologies blockchain et NFT. Il a fondé un laboratoire d’art et d’artisanat en Ombrie, La Terra dell’Upupa, un lieu de rencontre entre l’art et la nature, dans le but d’allier la passion, la créativité et la beauté du faire aux valeurs d’éthique, de responsabilité et de durabilité. Il est titulaire de la carte d’artiste professionnel AIAP/UNESCO, délivrée par l’Association internationale des arts plastiques Italie, le comité italien de l’IAA/AIAP UNESCO.

Gaia Adducchio – Section Art digital

 Gaia Adducchio est une artiste italienne qui vit et travaille à Rome. Après avoir étudié la réalisation à l’École nationale de cinéma de Prague (FAMU) et remporté d’importants prix pour ses œuvres de fiction et ses documentaires, elle a obtenu deux bourses du MIBACT pour la production d’un documentaire et le développement d’un long métrage. En 2015, elle a remporté une résidence artistique à la prestigieuse école de photographie CSF Adams à Rome et a créé son premier projet photographique analogique « Family Portraits », qui a fait ses débuts à Prague Photo 2016. Toujours en 2016, elle a obtenu une mention spéciale à la première Biennale d’art moderne de Pérouse. « Naked:#she », son deuxième projet photographique, a été exposé à Prague Photo 2017 et en février 2020 au Salon Comparaisons à Paris. En juillet 2023, elle a été l’une des quatre lauréates du concours de l’exposition collective YAG/garage ITALIA Lazio à Pescara. Elle expose dans de nombreuses manifestations artistiques : son troisième projet, « Étoiles », fait ses débuts à Prague Photo 2018 puis est exposé en février 2019 au Salon Comparaisons et en octobre 2019 au Salon d’Automne à Paris. Une sélection de son quatrième projet « Polaroid Blooming » fait partie du Salon d’Automne en octobre 2021 et à nouveau en octobre 2022, et en février 2022, elle fait partie du Salon Comparaisons. En septembre 2022, elle a participé à une exposition collective d’art contemporain intitulée « When in Rome » à la Soho House de Rome. Depuis 2019, elle a organisé plusieurs expositions individuelles à Rome et à l’étranger. De décembre 2023 à février 2024, son dernier projet photographique « Acquatica », organisé par Beatrice Luzi, a fait l’objet d’une exposition solo dans les prestigieux espaces de la Galleria Gallerati à Rome. D’avril à juillet 2025, elle participe à la 6e Biennale Internationale d’Art Gaia à Vila Nova de Gaia, au Portugal.

Amedeo Marchetti – Section Art naïf

Amedeo Marchetti est né à Tione di Trento en 1959 et réside à Bolbeno dans le Trentin. Il cultive depuis son enfance une passion pour la peinture et réalise dès 1978 une série de dessins et d’œuvres picturales, faisant ses débuts officiels dans le monde de l’art trois ans plus tard, en 1981, avec une nomination à un prix et une grande reconnaissance du public. Depuis 1986, il est admis au Prix national des peintres naïfs. En 1997, le Musée national des arts naïfs « C. Zavattini » de Luzzara – Reggio Emilia acquiert son tableau « Abbracciami forte stasera » (Serre-moi fort dans tes bras ce soir). En 2001, à l’occasion de l’exposition « Ligabue e dintorni » organisée par les communes de Vomano et Tossicia, deux de ses œuvres sont exposées, tandis qu’à Azzignano (hameau de Tossicia), il commence la première de deux fresques murales qui s’achèvera en 2003. Toujours en 2001, « Le Palais des Naifs Musée International » à Bages Pyrénées Roussillon en France expose cinq de ses œuvres, dont l’une restera en permanence. En 2002, il remporte la « Lucia d’Oro », le premier prix de la 32e édition internationale de Varenna sur le lac de Côme. En 2003, lors de l’exposition internationale La Mandria de Chivasso (Turin), il représente l’Italie au 37e Mednarodnj Tabor de Trebnje en Slovénie.

Depuis 1999, il participe sur invitation au Grand Prix Suisse et au Grand Prix Europe de Peinture Primitive Moderne dans la petite ville de Morges. En 2005, il expose au Musée de Vico, une petite ville située à 20 kilomètres de Paris, et l’une de ses œuvres fait aujourd’hui partie de la collection permanente. Il expose à Bologne, Rimini, Parme, Milan, Turin, Guglia, Asiago, Pinzolo, Tione, Rango di Bleggio, Ponte Arche, Condino, Trente…

Simone Picciotto – Section Mythes et Singularité

Née au Caire dans une famille italienne, Simone Picciotto passe son enfance et fait ses études en Belgique et en Italie. Elle passe son adolescence en Toscane, où elle s’intéresse à la peinture. Elle fait l’Académie des Beaux-Arts de Bruxelles et obtient deux premiers prix en peinture (Composition et sur nature) en 1951. À Paris, elle fréquente l’atelier Fernand Léger puis celui de Jean Deyrolle. Les peintures de Simone Picciotto racontent des histoires fabuleuses, un geste qui puise dans une réserve inépuisable d’images dont elle déroule les métamorphoses dans des alluvions de peinture, de collage de papiers peints, de tissus, d’objets désuets et incongrus, vestiges d’une mythologie du quotidien, dénichés dans des brocantes. L’artiste procède par détournements, piège l’entendement dans des rebuts plastiques qui nous entraînent pour une errance poétique, dans laquelle toutes les pistes sont possibles. Si la liberté gestuelle induit un procédé proche de celui du cadavre exquis, une logique dicte la composition élaborée par strates, desquelles naissent des hybridations morphologiques. Tout commence par la tête, un signe de reconnaissance pour Simone Picciotto qui reste attentive à la lisibilité de la composition, inscrite dans une profusion de détails. Ses grandes qualités de dessinateur sous-tendent ses portraits et son univers onirique né de ses rêves nocturnes auxquels elle donne forme et couleurs. Ses songes, bachelardiens, revivent dans des scènes habitées par des corps et transformation, qui évoluent dans l’air et des fonds aquatiques dont les éléments disparates participent de leur fantasmagorie. Coloriste en verve, sa palette libère des couleurs tendres et chatoyantes. Une saveur charnelle particulière se dégage des matières marquées par l’usure du temps. Le monde de Simone Picciotto est celui de l’enchantement.

Gabriella Salzano – Section Art environnemental

Cette artiste a vécu 30 ans en Italie, à Naples et à Rome, et elle s’est nourrie des ambiances solaires de ces villes et de leurs histoires, si fécondes en arts. En France, d’autres atmosphères et paysages, notamment à la montagne, ont stimulé chez elle l’envie et le plaisir de représenter de nouvelles émotions. Dans ses œuvres, elle cherche à partager les émotions qu’elle ressent devant la végétation : confiance, optimisme et énergie. Ses palettes de couleurs – toujours vives – et sa façon de poser les matières, denses ou fluides, évoquent son étonnement face à l’éveil vigoureux de la nature, suggéré aussi par les titres des œuvres.  Elle s’exprime à l’aide de plusieurs techniques (peinture acrylique, à l’eau, estampe, crayons de couleur), en les combinant aussi, sur des supports très variés (toiles, papier, cartons entoilés, tissus). Dans sa démarche artistique, figuration et abstraction se mêlent inconsciemment. Mais parfois son style est complètement abstrait, guidé par une approche graphique, inspirée du textile.

Giovanni Goroni – Section Gravure

Né à Lajatico (Pise) en 1950, il commence à peindre en 1970. En 1972 il fréquente l’INSTITUT D’ART et durant cette période, la peinture de Pollock et l’art gestuel l’influencent, pour donner en 1974 sa première toile « abstraite ».

Jusqu’en 1975 il approfondit cette phase de recherche pour se libérer du traditionnel « figuratif ». Il découvre alors l’œuvre de Giuseppe Santomaso, et frappé par la poétique et surtout par le « rapport avec la réalité » du travail de cet artiste, il le rencontre à Venise en 1976. Après cette rencontre et celles qui suivront régulièrement, les créations de Gorini prennent une orientation décisive. Il imprime son premier portfolio « Autoscienza-Presenza » avec un texte de l’écrivain et ami Francesco Paciscopi. Il consolide sa recherche « réalité/nature » au cours de deux voyages l’un dans les Pouilles avec le peintre Alessandro Gamba, et l’autre en Grèce. C’est aussi l’époque de son premier voyage à Paris, où il s’installe en 1979. Il participe à plusieurs expositions collectives avec un groupe d’artistes italiens, et il se lie d’amitié avec Riccardo Licata, titulaire d’un atelier aux Beaux-Arts de Paris, qui lui apprend la mosaïque, et Paolo Boni, peintre et graveur, oncle de Mario Boni, imprimeur en taille douce, qui l’initie à la gravure en plusieurs couleurs. Il approfondit cette recherche, attiré par les différentes techniques d’estampe des artistes qui fréquentent l’atelier Boni, notamment Bertrand Dorny. En 1980 il imprime son deuxième portfolio « Voyage sans monuments » accompagné d’un texte de Dino Carlesi (poète et critique d’art) et suivront en 1984 « Terre dimenticate » et en 2002  « …ai segni della terra ». En 1981, il est diplômé de l’Académie des Beaux-Arts de Florence dans la classe de peinture de Gustavo Giulietti. Pour ses travaux de gravure il obtient la médaille de la « VILLE de PARIS » de bronze en 1982 et d’argent en 1984, et le deuxième prix à la « BIENNALE du XV – Paris » en 2019. Il fait partie des artistes de « MANIFESTAMPE ».

Un Salon créé par des artistes, pour des artistes moteur des avant-gardes depuis 1903

C’est à cette date, dans les sous-sols du Petit Palais, en réaction à l’académisme régnant, que quelques amis rassemblés autour de l’architecte Frantz Jourdain, Guimard, Carrière, Desvallières, Bonnard, Rouault, Vallotton, Vuillard, Matisse, et tant d’autres, décidèrent d’organiser une exposition indépendante, dans le but de promouvoir les avant-gardes et les esprits novateurs de leur temps. Instigateur de la pluridisciplinarité et l’égalité des arts, Le Salon d’Automne était né, s’imposant comme témoin essentiel de l’émergence des plus importants mouvements artistiques du 20ème siècle : fauvisme, surréalisme, cubisme, art abstrait, nouvelle figuration, etc.

Un événement pour réunir la grande famille de l’art contemporain

Le Salon d’Automne est incontestablement le promoteur de tous les arts, sans distinction de hiérarchie entre les formes d’art. Depuis ses débuts, il renouvelle sa noble mission de donner aux artistes une tribune de choix en réunissant chaque année ce que la création actuelle a de plus dynamique et prometteur. Le lancement régulier de nouveaux groupes et sections prouve par ailleurs son implication dans la représentation de tous les mouvements artistiques, sans frontières et sans à priori. Aujourd’hui, on ne dénombre pas moins de 11 sections artistiques : peinture, sculpture, architecture, gravure, dessin, photographie, art environnemental, art digital, livres d’artistes, mondes inconnus et mythes & singularité. Avec une section peinture composée de 9 groupes : Abstraction, Art naïf, Chromatics, Expression libre, Figuration, Héritage et Innovation, Imaginaires, Synthèse, Variations.

En 2025, le Salon d’Automne s’engage pour la protection de la mer

Fondé sur des valeurs de partage et de tolérance, l’esprit du Salon d’Automne est unique dans le monde de l’art : il ne cesse de se réinventer au fil du temps en questionnant les grands enjeux de notre époque à travers le prisme de l’art contemporain. Résolument ancré dans son présent, il affirme à nouveau cette année sa capacité à se saisir d’enjeux essentiels en mettant à l’honneur la protection de la mer dans le prolongement de l’UNOC 2025. Une opportunité d’utiliser l’art comme moyen d’approche et de sensibilisation auprès de ses visiteurs : grand public, artistes, collectionneurs, amateurs d’art, etc.

Cette édition 2025 rassemblera ainsi des œuvres de différentes natures d’artistes engagés sur la thématique de l’écologie de la mer et sur les différentes problématiques touchant à la pollution et à la destruction des fonds marins. Ces créations dialogueront avec des données scientifiques pour enrichir la réflexion et croiser les regards. Et pour poursuivre cette volonté pédagogique, tout au long du Salon des conférences, débats, tables rondes et projections cinématographiques seront proposés.

Par ailleurs, Louis Burton, ayant participé à la Transat Jacques-Vabre et au Vendée Globe à plusieurs reprises, nous fera l’honneur d’être le parrain de cette 122^ème édition. Bien qu’engagé dans la Transat Café L’OR, le navigateur interviendra en visioconférence pour partager sa progression dans la course et parler de son engagement pour la préservation des océans. Louis Burton organise chaque année un concours de dessins auquel ont participé des centaines d’enfants. 60 de ces dessins ont été sélectionnés pour être exposés.

Le dossier de presse de la 122^ème édition du Salon d’Automne est téléchargeable ici

Crédit : Affiche de Christophe Badani

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Le Salon d’Automne est organisé par la Société du Salon d’Automne, une association d’artistes, sans but lucratif, née en 1903, reconnue d’utilité publique depuis 1920, et dont le but est l’encouragement et le développement des beaux-arts dans toutes ses manifestations et particulièrement par des expositions tant en France qu’à l’étranger.

Et parce que de belles images valent souvent mieux que de longs discours, retour, en images, sur la dernière édition du Salon d’Automne : Vidéo octobre 2024

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Infos pratiques

Le Salon d’Automne

Salon international d’art contemporain depuis 1903 – 122^ème édition

Du mercredi 29 octobre au dimanche 2 novembre 2025

Place de la Concorde, Paris

Contacts presse 

Clara Moreno – clara@morenoconseil.com

Léa Gonçalves – lea@morenoconseil.com

Salon international d’art contemporain depuis 1903

122^ème édition du 29 octobre au 2 novembre 2025

Place de la Concorde, Paris

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Pour sa 122^ème édition, Le Salon d’Automne vous donne rendez-vous du 29 octobre au 2 novembre, Place de la Concorde, à quelques encablures du Petit Palais, où il est né en 1903. Salon d’art contemporain résolument ancré dans son présent, il met cette année à l’honneur – en écho à l’Année de la Mer – la préservation des écosystèmes marins. Expositions thématiques, conférences, projections et invités engagés — dont le navigateur Louis Burton — la programmation mêle délibérément art, science et conscience pour faire résonner les enjeux environnementaux avec la puissance de la création contemporaine. 1 000 artistes de 48 nationalités répartis sur 20 sections exposeront leurs œuvres sur deux pavillons formant une surface de près de 4 000 m². Soutenu par le ministère de la Culture, l’événement attend 30 000 visiteurs pour célébrer la diversité de l’art contemporain.               

Crédit : Affiche de Christophe Badani

Cliquez sur l’image pour obtenir la HD

En 2025, le Salon d’Automne s’engage pour la protection de la mer

Depuis ses débuts, le Salon d’Automne incarne l’engagement des artistes pour les artistes et soutient la diversité et la liberté d’expression artistique sans hiérarchie entre les formes d’art. Véritable incubateur pour la création, son esprit – fondé sur des valeurs de partage et de tolérance -, est unique dans le monde de l’art : il ne cesse de se réinventer au fil du temps en questionnant les grands enjeux de notre époque à travers le prisme de l’art contemporain. Ce Salon fait par des artistes pour des artistes affirme donc à nouveau cette année sa capacité à se saisir d’enjeux essentiels en mettant à l’honneur la protection de la mer dans le prolongement de l’UNOC 2025. Une opportunité d’utiliser l’art comme moyen d’approche auprès de ses visiteurs : grand public, artistes, collectionneurs, amateurs d’art, etc.

L’art au service de l’écologie

Dans cette sensibilisation, les artistes jouent un rôle essentiel, apportant un regard singulier et sensible sur des sujets qui souvent sont traités sous le seul prisme scientifique. Aborder ces questions par la peinture, la sculpture, le dessin ou tout autre médium des arts visuels permet de créer une connexion émotionnelle particulière avec le public. Dans cette optique, l’art devient un vecteur de mobilisation original et déterminant pour la protection des milieux aquatiques, essentiels à la vie sur Terre. 

Cette édition 2025 rassemblera donc des œuvres de différentes natures d’artistes engagés sur la thématique de l’écologie de la mer et sur les différentes problématiques touchant à la pollution et à la destruction des fonds marins. Présentées dans un espace dédié, ces créations dialogueront avec des données scientifiques pour enrichir la réflexion et croiser les regards. Et pour poursuivre cette volonté pédagogique, tout au long du Salon, des conférences, débats, tables rondes et projections cinématographiques seront proposés.

Un parrain idéal en la personne du navigateur Louis Burton

Louis Burton, ayant participé à la Transat Jacques-Vabre et au Vendée Globe à plusieurs reprises, nous fera l’honneur d’être le parrain de cette 122^ème édition. Bien qu’engagé dans la Transat Café L’OR – anciennement Transat Jacques-Vabre – Louis Burton interviendra en visioconférence pour partager sa progression dans la course, évoquer son engagement pour la préservation des océans et répondre aux questions du public. Grâce au programme pédagogique « Louis Burton autour du monde », des centaines d’enfants ont embarqué sur son bateau Bureau Vallée et ont réalisé des dessins et peintures en mer. Soixante dessins ont été sélectionnés pour être exposés.

Une première sélection d’artistes engagés pour les océans

Parmi les premiers artistes annoncés, Jean-François Larrieu, peintre internationalement reconnu (d)écrit à travers son œuvre picturale une histoire universaliste, à la fois humaniste et environnementale : une histoire de Vie(s). Une œuvre monumentale sur le thème de la beauté de la faune et de la flore marine sera exposée, en parallèle à la projection d’un film, « Reset », qui se propose de donner vie à ses œuvres.

Nicole King, éco-artiste peintre sera également l’invitée de cette édition. Depuis plusieurs années, cette ingénieure de formation mêle science et art dans une œuvre foisonnante. S’inscrivant dans la mouvance de l’art écologique, elle utilise la peinture à l’huile et la photographie et traite dans ses œuvres de la perte de la biodiversité marine et de la pollution.

Une affiche en forme de métaphore pour un événement qui invite à la découverte, à la contemplation et à l’exploration libre d’un espace artistique

« L’affiche conçue pour le Salon d’Automne 2025 suggère un parcours, une déambulation, grâce à ses courbes fluides qui dessinent un cheminement artistique organique. En résonance avec le thème de l’Année de la Mer, ces lignes sinueuses rappellent les ondulations de l’eau — vaste, mouvante, imprévisible — et invitent à une exploration sensible, à la fois visuelle et intérieure. La typographie structurée offre des repères clairs, tout en dialoguant harmonieusement avec les courbes pour guider le regard, comme des balises dans un paysage changeant. La composition traduit l’expérience immersive d’un salon d’art : explorer à son rythme et se laisser porter tout en découvrant des étapes marquantes. Cette édition 2025 renforce l’idée d’un Salon d’Automne comme un espace vivant, ouvert à toutes les formes d’expression », déclare Christophe Badani – peintre calligraphe, typographe et organisateur délégué de la section Abstraction du Salon d’Automne.

Originaire de Marseille, formé à la typographie, Christophe Badani a débuté sa carrière dans la communication à Paris avant de se consacrer dès 1996 à la peinture, au dessin typographique, à la calligraphie latine et de se perfectionner dans l’expression du signe et de la gestuelle calligraphique. Concepteur et dessinateur de typographies (www.typophage.com), il a co-écrit Types for brands (Eyrolles, 2010) avec l’agence Seenk. Il intervient régulièrement dans des écoles d’art (Académie Charpentier, EPSAA, ECV) et poursuit aujourd’hui ses explorations artistiques dans la céramique, l’estampe et la gravure.

Note à la rédaction : le Salon d’Automne dévoilera fin juin une sélection des principales œuvres qui seront exposées pour sa 122^ème édition.

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Sur le Salon d’Automne, moteur des avant-gardes depuis 1903

Pour rappel, c’est à cette date, dans les sous-sols du Petit Palais, en réaction à l’académisme régnant, que quelques amis rassemblés autour de l’architecte Frantz Jourdain, Guimard, Carrière, Desvallières, Bonnard, Rouault, Vallotton, Vuillard, Matisse, et tant d’autres, décidèrent d’organiser une exposition indépendante, dans le but de promouvoir les avant-gardes et les esprits novateurs de leur temps. Instigateur de la pluridisciplinarité et l’égalité des arts, Le Salon d’Automne était né, s’imposant comme témoin essentiel de l’émergence des plus importants mouvements artistiques du 20^ème siècle : fauvisme, surréalisme, cubisme, art abstrait, nouvelle figuration, etc.

Le Salon d’Automne est ainsi et incontestablement le promoteur de tous les arts, sans distinction de hiérarchie. Depuis sa création, il renouvelle sa noble mission de donner aux artistes une tribune de choix en réunissant chaque année ce que la création actuelle a de plus dynamique et prometteur. La création régulière de nouvelles sections prouve par ailleurs son implication dans la représentation de toutes les créations artistiques, sans frontières et sans a priori. Aujourd’hui, on ne dénombre pas moins de 12 sections artistiques : peinture, sculpture, architecture, gravure, dessin, photographie, art environnemental, art singulier, art digital, livres d’artistes, mondes inconnus et mythes & singularité. Avec une section peinture composée de 9 groupes : Abstraction, Art naïf, Chromatics, Expression libre, Figuration, Héritage et Innovation, Imaginaires, Synthèse, Variations.

Le Salon d’Automne est organisé par la Société du Salon d’Automne, une association d’artistes, sans but lucratif, née en 1903, reconnue d’utilité publique depuis 1920, et dont le but est l’encouragement et le développement des beaux-arts dans toutes ses manifestations et particulièrement par des expositions tant en France qu’à l’étranger.

Et parce que de belles images valent souvent mieux que de longs discours, retour, en images, sur la dernière édition du Salon d’Automne : Vidéo octobre 2024

Infos pratiques

Le Salon d’Automne

Salon international d’art contemporain depuis 1903 – 122^ème édition

Du mardi 28 octobre au dimanche 2 novembre 2025

Place de la Concorde, Paris

Contacts presse 

Clara Moreno –clara@morenoconseil.com

Léa Gonçalves –lea@morenoconseil.com

121^ème édition du 23 au 27 octobre 2024

Pavillons éphémères, avenue de Champs-Elysées, Paris

Paris, le 2 septembre 2024 – C’est reparti pour le Salon d’Automne ! La 121^ème édition de ce salon international d’art contemporain, fait par des artistes pour des artistes, et qui marque l’ouverture de la saison culturelle parisienne, vous donne rendez-vous du 23 au 27 octobre aux pavillons éphémères situés sur les emblématiques Champs-Elysées, à deux pas du Grand Palais, là où il est né en 1903. Soutenu par le Ministère de la Culture et doté d’une renommée internationale avec plus de 50 nationalités représentées, ce salon qui, depuis ses débuts a permis de faire émerger des figures majeures et les mouvements à l’origine des révolutions artistiques du 20^ème siècle, présentera, sur 3 000 m², plus de 1 000 œuvres réunies en 20 sections et groupes artistiques. Aperçu de ce bouillonnement créatif en une sélection de 18 œuvres à découvrir sur cette nouvelle édition.

L’affiche de la 121ème édition ainsi que tous les visuels HD sont téléchargeables ici

Un événement pour réunir la grande famille de l’art contemporain

Le Salon d’Automne est incontestablement le promoteur de tous les arts, sans distinction de hiérarchie. Depuis 1903, il renouvelle sa noble mission de donner aux artistes une tribune de choix en réunissant chaque année ce que la création actuelle a de plus dynamique et prometteur. La création régulière de nouveaux groupes et sections prouve par ailleurs son implication dans la représentation de toutes les créations artistiques, sans frontières et sans à priori. Aujourd’hui, on ne dénombre pas moins de 11 sections artistiques : peinture, sculpture, architecture, gravure, dessin-peinture à l’eau, photographie, art environnemental, art singulier, art digital, livres d’artistes, et techniques mixtes. Avec une section peinture composée de 9 groupes : Abstraction, Art naïf, Chromatics, Expression libre, Figuration, Héritage et Innovation, Imaginaires, Synthèse, Variations.

« Cette nouvelle édition du Salon d’Automne, la 121^ème, tient toutes ses promesses. Les différentes tendances des beaux-arts contemporains y sont largement représentées. Des courants artistiques issus des siècles passés comme la gravure et le dessin poursuivent leur évolution tout en respectant dignement la rigueur de ces disciplines. La peinture, reine de ce salon à toutes les époques, se décline à travers de nombreux courants artistiques d’une grande variété d’expressions, se questionnant toujours elle-même et repoussant ses propres limites. Des tendances nouvelles apportent jeunesse et force, utilisant les nouvelles technologies comme un moyen de création, assemblant différents matériaux et médiums sur différents supports. Tout ceci formant un ensemble cohérent, pleinement plongé dans notre temps présent ». Jean-Christophe Lévêque, président du Salon d’Automne.

Zoom sur quelques découvertes de cette 121ème édition

Section « Mondes Inconnus » (Techniques mixtes) : Une nouvelle odyssée artistique

Crédits : GAbO – La Pachamama – Technique mixte sur toile, 155 x 104 x 4 cm / Nadine JEANJEAN – Forêt – Acrylique sur toile,

92 x 73 cm / Kacey KO – Oasis (OC – 5827) – Huile sur toile, 80 x 60 cm / Rumiko NAKAGAWA – Amazone – Tissus, cotons et coques sur toile, 50 x 70 x 6 cm.

Mondes Inconnus est une toute nouvelle section qui propose une célébration poétique de la diversité culturelle à travers l’art. Cette nouvelle section regroupe les œuvres d’artistes issus de divers horizons, chacun apportant les richesses et les nuances de sa culture d’origine. Les créations présentées nous offrent un voyage sensoriel et émotionnel au cœur de terres proches ou lointaines ainsi que d’imaginaires exotiques. Chaque œuvre raconte une histoire singulière, puisant dans des traditions ancestrales, des légendes, des personnages, et des paysages enchanteurs. Les couleurs, les motifs délicats et les techniques mixtes révèlent la richesse des œuvres présentées, offrant aux spectateurs une immersion totale dans des univers artistiques distincts.

Les artistes de cette section nous rappellent que l’art est un langage universel, capable de transcender les frontières géographiques et culturelles. Mondes Inconnus est ainsi une ode à la diversité culturelle mondiale et un hommage aux artistes qui, par leur sensibilité unique, nous dévoilent l’infinie mosaïque de l’expérience humaine. D’après un texte de GAbO, Responsable de la section « Mondes Inconnus »

Nous vous présentons ici quatre toiles qui donnent un aperçu de la diversité des techniques exploitées par les artistes du groupe Mondes Inconnus. Par l’usage maîtrisé de l’acrylique, de l’huile ou des techniques mixtes, ces trois œuvres évoquent des lieux oniriques, chaleureux ou mystérieux et nous offrent une invitation à un voyage intérieur :

GAbO – La Pachamama
Technique mixte sur toile, 155 x 104 x 4 cm.

Nadine Jeanjean – Forêt
Acrylique sur toile, 92 x 73 cm.

Kacey Ko – Oasis (OC – 5827)
Huile sur toile, 80 x 60 cm.

Rumiko Nakagawa – Amazone
Tissus, cotons et coques sur toile, 50 x 70 x 6 cm.

Section « Mythes et Singularité » (Art singulier) : Une exploration artistique non conventionnelle

Crédits : Nicolas LONGUET – Le Bonhomme de Viande – Sculpture en papier, 152 x 71 cm / Patricia BERQUIN – La Valse des Âmes Nouées – Sculpture murale en haut-relief, 124 x 62 x 14 cm.

Pour sa 9e année consécutive, la section Mythes et Singularité invite à découvrir un univers artistique audacieux et moins académique, où la sincérité instinctive des artistes s’exprime à travers des techniques et des matériaux non conventionnels. Comme le soulignait Dubuffet, « Tout artiste a pour tâche de mettre au point ses techniques », et cet espace dédié à l’art singulier illustre parfaitement cette idée. Les œuvres présentées dans cette section explorent des formes d’expression artistique originales : de l’art mural réalisé avec du métal cousu ou soudé, des tissus sculptés, de l’osier, des nœuds de cordes, aux sculptures d’assemblages d’objets, de céramique, ou encore de matériaux recyclés comme des sacs poubelle. Sans oublier le festival de peintures et de couleurs qui enrichit cet espace. Ces œuvres insolites, issues de techniques inventives et éloignées des normes académiques, incarnent des mythes personnels, permettant de « se laver l’âme de la poussière du quotidien » disait Picasso.

Chaque année, le président de section renouvelle les artistes exposés, mettant en lumière des techniques très diverses et des artistes emblématiques du mouvement, pour qui l’esthétisme n’est pas un critère de qualité en art singulier. Mythes et Singularité offre ainsi une vitrine unique à des créations originales qui défient les conventions et enrichissent l’univers artistique contemporain. D’après un texte de Patricia BERQUIN, Responsable de la section « Mythes et Singularité ».

Nous vous présentons ici deux œuvres. De gauche à droite :

Visuels 1 & 2 de Nicolas LONGUET – Le Bonhomme de Viande
Sculpture en papier, 152 x 71 cm. À 22 ans, Nicolas Longuet, étudiant à l’école de marionnettes de Charleville-Mézières, présente une sculpture-marionnette unique. L’artiste déambulera dans les allées du salon en portant cette œuvre, tout en clamant un texte de Mattei Visniec.

Patricia BERQUIN – La Valse des Âmes Nouées
Sculpture murale en haut-relief, 124 x 62 x 14 cm. Cette œuvre est réalisée à partir de nœuds de cordes et de tissus.

Section « Art Digital et vidéo » : Un chapitre moderne de l’avant-garde artistique

Crédits : Françoise DUCÈNE-LASVIGNE – Exotisme – Photographie numérique retravaillée sur Photoshop, 30 x 20 cm / Patrick VINCI – WELCOME CATA – 72 DPI / Philippe SOCQUIN-BRILLAN – CHRYSALIDE – Dessin et travail numérique, métal, papier, photo, plexi, 110 x 75 x 3 cm.

Depuis maintenant neuf éditions, l’Art digital est représenté dans toutes ses formes au Salon d’Automne. Un réel chapitre dans l’histoire du salon où se sont succédé de célèbres artistes aux univers éclectiques, ainsi que des talents émergents, offrant des œuvres fantasmagoriques, des performances innovantes, et des créations riches en techniques récompensées par de nombreuses distinctions, prix des plus prestigieux chaque année. Aujourd’hui, un nouveau chapitre s’écrit grâce à des artistes venus du monde entier. Ces artistes, avec leurs sensibilités, personnalités et cultures variées, s’expriment dans des styles libérés de toutes contraintes, unis par leur quête d’élever cet art au plus haut. A l’instar de la sculpture ou de la gravure, qui contiennent tellement d’univers, ces compositions pourtant si différentes sont issues, elles aussi, d’un même seul outil : le numérique. Ces pages, remplies d’avant-gardisme, contribuent à façonner l’histoire du Salon d’Automne et, par extension, celle de l’histoire de l’art. D’après un texte de Isabelle SCHMITT, Responsable de la section « Art Digital et Vidéo ».

Nous vous présentons ici trois œuvres, les artistes utilisent tous le même support, mais l’exploitent de manière unique révélant des univers artistiques très différents. De gauche à droite :

Françoise DUCÈNE-LASVIGNE – Exotisme
30 x 20 cm – Photographie numérique retravaillée sur Photoshop, combine la photo et la peinture pour créer des œuvres qui fusionnent le réel et l’imaginaire.

Patrick VINCI – WELCOME CATA
72 DPI, mêle photographie et collage digital, donnant naissance à des compositions modernes et dynamiques.

Philippe SOCQUIN-BRILLAN – CHRYSALIDE
110 x 75 x 3 cm – Dessin et travail numérique / Métal, papier, photo, plexi, explore la peinture numérique, transformant la toile en un espace virtuel où chaque pixel compte. Un seul outil sert de base, mais il permet une diversité d’expressions artistiques aussi riche que variée, démontrant l’infinité des possibilités créatives.

La section « Chromatics » : Une immersion dans l’essence des couleurs

Crédits : Michèle ANSERMET PAPADOPOULOS – A-MUSES-ER-VOUS – 200 x 200 cm / Betty CAMUS – Les lunettes rouges – Acrylique sur lin, 130 x 98 cm / Andrée DE FREMONT – Inspiration Ventoux – Technique mixte sur toile, 120 x 140 cm.

Depuis deux ans, la section Chromatics du Salon d’Automne s’affirme comme un rendez-vous incontournable pour les amateurs d’art contemporain et les passionnés de couleur. En mettant en avant des œuvres vibrantes et audacieuses, cette section célèbre la diversité et l’intensité chromatique sous toutes ses formes. Les artistes exposés révèlent la puissance émotionnelle et symbolique des couleurs, transformant chaque toile en un voyage sensoriel unique. C’est un hommage à la richesse et à la profondeur de la palette artistique. Les artistes poursuivent un objectif commun : créer un nouveau mouvement pictural, le « Chromatisme ». Ce mouvement se caractérise par des compositions audacieuses, une maîtrise subtile des nuances et une touche de folie créative qui les unit sous une même bannière. L’ambition est de faire de cette section une plateforme où l’innovation et l’expérimentation sont à l’honneur. Cette année, la section forme un groupe homogène et soudé, avec pour point commun une passion dévorante pour la couleur afin d’offrir au public une expérience visuelle intense et inoubliable, où chaque œuvre dialogue harmonieusement avec les autres, créant ainsi une symphonie chromatique captivante et inspirante. D’après un texte de Michèle ANSERMET PAPADOPOULOS, Responsable de la section « Chromatics ».

Nous vous présentons ici trois œuvres. De gauche à droite :

Michèle ANSERMET PAPADOPOULOS – A-MUSES-ER-VOUS
200 x 200 cm.

Betty CAMUS – Les lunettes rouges
Acrylique sur lin, 130 x 98 cm.

Andrée DE FREMONT – Inspiration Ventoux
Technique mixte sur toile, 120 x 140 cm.

Les œuvres mises en avant de Betty CAMUS et Andrée DE FREMONT se distinguent par leur dévouement à la couleur et leur sens aigu de la composition. Leur passion pour l’art enrichit la section Chromatics d’une énergie vibrante et créative.

Section « Expression libre » : Une plongée au cœur des émotions profondes

Crédits : Jean PRÉVOST – Le Moulin Rouge – 146 x 97 cm – Huile sur toile / Victor SASPORTAS – Au Musée – 146 x 114 cm – Acrylique sur toile / Esther MARTINEZ – It’s in on My Mind – 160 x 130 cm – Acrylique, huile, technique mixte sur toile.

Dans le monde de l’art, l’exploration des émotions et de l’individualité est une quête commune qui transcende les styles et les mouvements. C’est dans cet esprit que la section présente des artistes en Expression libre et des artistes expressionnistes. L’expressionnisme, né au début du 20^ème siècle, est reconnu pour sa capacité à transmettre des émotions profondes à travers des couleurs vives et des formes audacieuses, mettant le ressenti humain au cœur des œuvres. En parallèle, l’Expression libre se distingue par une créativité encore plus débridée. Les artistes qui s’inscrivent dans cette démarche s’affranchissent des conventions, explorant des techniques variées et des thèmes personnels, ignorant parfois les normes établies. Pour cette édition du Salon d’Automne, le public aura l’opportunité de découvrir une section vibrante où les œuvres illustrent une quête d’authenticité et d’émotion. Malgré la diversité des techniques et des inspirations, les artistes présents partagent une passion commune offrant une immersion captivante dans un univers où l’art reflète les émotions les plus profondes. D’après un texte de Victor SASPORTAS, Responsable de la section « Expression Libre ».

Nous vous présentons ici trois œuvres. De gauche à droite :

Jean PRÉVOST – Le Moulin Rouge
146 x 97 cm – Huile sur toile. Jean Prévost est un artiste du fauvisme, restant toujours fidèle à cette idée de l’art comme moyen d’expression personnelle. Son travail se caractérise par des couleurs vives ainsi que par des formes simplifiées, plutôt que de se concentrer sur la représentation réaliste. Dans ses œuvres les couleurs vibrantes et les compositions dynamiques créent une atmosphère joyeuse et expressive. Il trouve tout naturellement sa place dans la section « Expression libre » et nous en sommes ravis.

Victor SASPORTAS – Au Musée
146 x 114 cm – Acrylique sur toile.

Esther MARTINEZ – It’s in on My Mind
160 x 130 cm – Acrylique, huile, technique mixte sur toile.

Section « Héritage et Innovation » : entre allégorie et dénonciation

Crédits : Stefan BEIU – Leçon de Peinture – 300 x 210 cm / Victor GRUSEVAN – Macadam – 150 x 200 cm.

Dans cette section, les artistes utilisent leur pouvoir créatif pour inscrire leurs peurs, leurs enthousiasmes et leurs passions sur une toile vierge. Leurs œuvres varient entre l’allégorie et la représentation brute, avec une sélection restreinte de pièces engagées qui dénoncent des réalités contemporaines. Ces artistes choisissent de ne pas se contenter d’observer le monde, mais de mettre leur art au service de causes importantes. D’après un texte de Stefan BEIU, Responsable de la section « Héritage et Innovation ».

Nous vous présentons ici deux œuvres. De gauche à droite :

Stefan BEIU – Leçon de peinture
300 x 210 cm.

Victor GRUSEVAN – Macadam
150 x 200 cm.

Le travail de Victor GRUSEVAN se distingue non seulement par une technique remarquable, mais également par un engagement profond et sincère. Son parcours est jalonné de nombreuses distinctions prestigieuses qui témoignent de son talent exceptionnel et de la reconnaissance de son œuvre par ses pairs et par le public. Son approche artistique reflète une réelle maîtrise technique qui ne cesse d’évoluer et de surprendre. À travers son art, il aborde des thématiques fortes apportant une perspective unique et puissante qui interpelle et inspire.

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Jean-Christophe Lévêque, artiste peintre et président du Salon d’Automne : un engagement dans un esprit de liberté, de partage et de fraternité dans les arts.

« Je vivais dans un milieu où l’art, ou du moins la pratique d’un art, était si loin qu’il est presque qu’incroyable qu’une rencontre fut possible. Le hasard en a décidé autrement, quelque chose de puissant m’animait, une envie profonde de saisir l’instant et d’en exprimer une vision à travers la pratique artistique, mais ceci m’était tellement étranger que je ne savais comment m’y prendre et puis une rencontre, une ouverture et enfin la découverte par la pratique de la peinture et du dessin. Dans l’atelier des beaux-arts de la ville de Paris, j’ai tout pratiqué, essayé, j’étais tant passionné, tant désireux d’apprendre, de maîtriser des techniques et de pouvoir enfin les utiliser comme mes propres moyens d’expression. 

Ma peinture s’est affirmée, a pris forme, mais avec cet étrange sentiment de n’être toujours qu’au début, que tout est toujours à construire, à faire, avec toutes ces possibilités infinies. Je vois le chemin parcouru, les progrès faits, les étapes passées mais je suis dans un mouvement définitivement vers l’avant, toujours à la conquête de mon art. Je crois fermement à la force de l’Art et tout ce que cela apporte à l’humanité.

Ma rencontre avec le Salon d’Automne a quelque chose de l’ordre du magique. Je connaissais bien ce salon de par son passé prestigieux, de par les grandes figures qui s’y sont succédé, mais je n’avais qu’une piètre connaissance de sa structure, de ce qu’il était, de ce qu’il est ; et puis les choses se sont précipitées, après plusieurs expositions au salon, un prix, un investissement plus fort dans une section, puis au conseil d’administration, j’ai maintenant le grand privilège d’en être le président. J’espère vivement être à la hauteur de cette fonction. Avec énergie, force et détermination, dans un climat de bienveillance je mettrai tout en œuvre pour que cette merveilleuse aventure se poursuive dans un esprit de liberté, de partage et de fraternité dans les arts.

Dans un musée on découvre les œuvres d’artistes bien souvent disparus, dans les grands marchés d’art contemporains les galeries présentent les œuvres d’artistes sélectionnés, au Salon d’Automne on rencontre les artistes et leurs œuvres et on partage des moments intenses avec eux.

Ce salon organisé par des artistes pour des artistes reste fidèle à ses valeurs originelles, et ce sont bien tous les artistes exposants qui font de ce salon un événement exceptionnel ».

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Plus d’informations à propos de la 121^ème édition à retrouver ici :

Save the date : Le Salon d’Automne, Paris est de retour en octobre et sur les Champs-Elysées !

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Infos pratiques

Le Salon d’Automne

Salon international d’art contemporain depuis 1903 – 121^ème édition

Du mercredi 23 au dimanche 27 octobre 2024

Pavillons éphémères, avenue des Champs-Elysées, 75008 Paris

https://www.salon-automne.com/fr

Contacts presse 

Clara Moreno – clara@morenoconseil.com

Léa Gonçalves – lea@morenoconseil.com

Le Salon d’Automne, Paris

Salon international d’art contemporain depuis 1903

121^ème édition du 23 au 27 octobre 2024

Pavillons éphémères, avenue de Champs-Elysées, Paris

Pour sa 121^ème édition, Le Salon d’Automne renoue avec ses fondamentaux ! Ce salon historique d’art contemporain revient à sa saison originelle, l’automne, pour marquer l’ouverture de la saison culturelle parisienne. Il revient par ailleurs sur les emblématiques Champs-Elysées, à deux pas du Grand Palais, là où il est né en 1903.

Ce salon d’artistes fait par des artistes pour des artistes vous donne ainsi rendez-vous du 23 au 27 octobre prochains aux pavillons éphémères situés sur l’avenue des Champs-Elysées, lieu symbolique de son histoire qu’il avait quitté pour ses deux précédentes éditions.

Soutenu par le Ministère de la Culture et doté d’une renommée internationale avec plus de 40 nationalités représentées, le Salon d’Automne a permis, depuis ses débuts en 1903, de faire émerger des figures majeures et les mouvements à l’origine des révolutions artistiques du 20^ème siècle. Il est organisé autour d’une exposition, sur 3 000 m², de plus de 1 000 œuvres réunies en 19 groupes. 30 000 visiteurs sont attendus pour la nouvelle édition de ce rendez-vous international majeur de l’art contemporain qui promet une mise en valeur remarquable des œuvres en plein cœur de Paris et une expérience prolongée sur cinq jours.

Crédit : Affiche de Didier Thirion

 60 x 40 cm

Cliquez sur l’image pour obtenir la HD

Didier Thirion, l’artiste derrière l’affiche de la 121^ème édition :

L’œuvre originale sélectionnée pour l’affiche de l’édition 2024 du Salon d’Automne qui aura lieu en Octobre sur les Champs Élysées est signée Didier Thirion, sociétaire du Salon d’Automne de Paris depuis 2018, il est aujourd’hui responsable de la section Figuration. Diplômé de l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris en 1975, il a exercé l’activité de designer-graphiste et de directeur artistique pendant presque 40 ans au sein de sa propre agence parisienne. Cette affiche est le reflet de cette longue expérience de la communication graphique.

L’élément principal de cette composition graphique est structuré autour de deux anneaux symbolisant la vue, le regard avec une référence aux Sixties. Un hommage au Bauhaus et au mouvement constructiviste russe est également présent par la mise en page oblique et le choix basique de la gamme chromatique.

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Pour sa 121^ème édition, le Salon d’Automne retrouve son ADN

Après 2 ans d’exposition à la Grande Halle de la Villette, la 121^ème édition du Salon d’Automne sera quant à elle placée sous le signe d’un retour aux sources : le Salon renoue en effet avec ses traditions automnales et se tiendra du 23 au 27 octobre sur les Champs-Elysées au début de la saison culturelle parisienne.

A noter que cette édition est organisée en partenariat avec Moderne Art Fair : les deux salons se succèdent en effet sur le même lieu, le Salon d’Automne dans la continuité du Salon Moderne Art Fair.

Le Salon d’Automne durera 5 jours (au lieu de 4 habituellement) permettant ainsi à un public toujours plus nombreux de s’émerveiller devant les 1 000 œuvres présentées et de rencontrer leurs créateurs.

Nous avons le privilège d’accueillir comme parrain, pour cette 121^ème édition du Salon d’Automne, Yann Le Quellec réalisateur, producteur, scénariste français, et auteur de romans graphiques.

D’hier à aujourd’hui, un salon créé par des artistes, pour des artistes

C’est en 1903, dans les sous-sols du Petit Palais, en réaction à l’académisme régnant, que quelques amis rassemblés autour de l’architecte Frantz Jourdain, Guimard, Carrière, Desvallières, Bonnard, Rouault, Vallotton, Vuillard, Matisse, et tant d’autres, décidèrent d’organiser une exposition indépendante, dans le but de promouvoir les avant-gardes et les esprits novateurs de leur temps. Instigateur de la pluridisciplinarité et l’égalité des arts, Le Salon d’Automne était né, s’imposant comme témoin essentiel de l’émergence des plus importants mouvements artistiques du 20^ème siècle : fauvisme, surréalisme, cubisme, art abstrait, nouvelle figuration, etc.

Depuis son origine jusqu’à nos jours, Le Salon d’Automne a en effet participé à l’émergence de tous les courants artistiques majeurs du 20^ème siècle, en accueillant les plus grands noms de la peinture moderne comme Cézanne, Picasso en passant par l’Ecole de Paris, Dali, Zao Wou-Ki, de la sculpture, Maillol, Rodin, Camille Claudel, Bourdelle, Duchamp-Villon, de la musique, Debussy ou Ravel, de la poésie d’Apollinaire à Aragon, etc.

Fort de sa prestigieuse histoire, ce salon fait par des artistes, pour des artistes, n’ignore toutefois pas le présent, et encore moins l’avenir ! Il continue de faire la part belle à la création contemporaine avec des artistes reconnus. Cabu en 2013 et Wolinski ainsi que Moebius en 2015, Ousmane Sow en 2016, Jacques Villeglé, Yvon Taillandier et Ambroise Monod en 2017, François Cheng et Franquin en 2018, le philosophe et sociologue Frédéric Lenoir et le plasticien Michel Kirch en 2019, Guillaume Atlan, compositeur de musique électronique en 2020, Pascal Dusapin, compositeur dessinateur bibliophile en 2021 et Fabienne Thibeault en 2022 dans un même esprit de rassemblement. Tous ces créateurs ont offert au public une vision multidisciplinaire, libre et dynamique de l’art, sans distinction entre art majeur et art mineur.

Un événement pour réunir la grande famille de l’art contemporain

Le Salon d’Automne est ainsi et incontestablement le promoteur de tous les arts, sans distinction de hiérarchie. Depuis 1903, il renouvelle sa noble mission de donner aux artistes une tribune de choix en réunissant chaque année ce que la création actuelle a de plus dynamique et prometteur. La création régulière de nouvelles sections prouve par ailleurs son implication dans la représentation de toutes les créations artistiques, sans frontières et sans à priori. En 2021, l’art naïf faisait ainsi son apparition, suivi en 2022 d’une toute nouvelle section : Chromatics. Aujourd’hui, on ne dénombre pas moins de 11 sections artistiques : peinture, sculpture, architecture, gravure, dessin-peinture à l’eau, photographie, art environnemental, art singulier, art digital, livres d’artistes, et ailleurs.

Avec une section peinture composée de 9 groupes : Abstraction, Art naïf, Chromatics, Expression libre, Figuration, Héritage et Innovation, Imaginaires, Synthèse, Variations.

Le Salon d’Automne est organisé par la Société du Salon d’Automne, une association d’artistes, sans but lucratif, née en 1903, reconnue d’utilité publique depuis 1920, et dont le but est l’encouragement et le développement des beaux-arts dans toutes ses manifestations et particulièrement par des expositions tant en France qu’à l’étranger.

Et parce que de belles images valent souvent mieux que de longs discours, retour, en images, sur la dernière édition du Salon d’Automne :

Vidéo jour 1

Vidéo jour 2

Vidéo jour 3

Vidéo jour 4

Vidéo jour 5

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Infos pratiques

Le Salon d’Automne

Salon international d’art contemporain depuis 1903 – 121^ème édition

Du mercredi 23 au dimanche 27 octobre 2024

Pavillons éphémères, avenue des Champs-Elysées, 75008 Paris

Contacts presse 

Clara Moreno – clara@morenoconseil.com

Léa Gonçalves – lea@morenoconseil.com

Biennale Internationale de la Gravure de Sarcelles

Du 25 novembre au 10 décembre 2023

 Plus de 36 pays représentés, 250 artistes, 450 gravures,

Eau-forte, burin, aquatinte en noir et blanc ou en couleur

 Exposition, conférences, visites-ateliers, démonstrations

Un événement placé sous le parrainage du ministère de la Culture

Un pays mis à l’honneur : le Mexique

 Carte blanche au Canada, à la Colombie, à l’Italie, au Maroc,

à la Pologne, au Japon, au Liban, à l’Arménie,

qui exposent une sélection d’artistes.

Sous le parrainage d’Astrid de La Forest,

artiste plasticienne française de l’Académie des Beaux-arts

Commissariat d’exposition
Jean-Pierre Tanguy, artiste, professeur honoraire de gravure à l’Ecole nationale supérieure des Beaux-arts de Paris                                                                                          

Cet événement est proposé par la municipalité de Sarcelles et son école d’art Janine Haddad.

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LES DATES A RETENIR

VISITE PRESSE EN COMPAGNIE DES COMMISSAIRES D’EXPOSITION

Le jeudi 23 novembre à 14h30 au Village de la Gravure, Ecole d’art Janine Haddad

Merci de confirmer votre présence auprès de

Clara Moreno – clara(at)morenoconseil(point)com

Léa Gonçalves – lea(at)morenoconseil(point)com

VERNISSAGE

Le samedi 25 novembre 2023 à 18 heures au Village de la Gravure, Ecole d’art Janine Haddad

Merci de confirmer votre présence auprès de

Clara Moreno – clara(at)morenoconseil(point)com

Léa Gonçalves – lea(at)morenoconseil(point)com

ACCUEIL DU PUBLIC

Du 25 novembre au 10 décembre 2023

Entrée libre (sans réservation) du mardi au samedi de 10 h à 17 h 30, le jeudi de 10 h à 20 h 30 et le dimanche de 14 h à 17 h.

Village de la Gravure, Ecole d’art Janine Haddad

VISITES-ATELIERS ET DÉMONSTRATIONS

Pour les scolaires et groupes. Sur rendez-vous auprès de la Direction des affaires culturelles au 01 34 38 20 56

VISITES-CONFÉRENCES ANIMÉES PAR LE COMMISSAIRE DE LA BIENNALE

Le jeudi 30 novembre 2023 de 19 h à 20 h 30,

Le samedi 9 décembre 2023 de 15 h 30 à 17 h.

Entrée gratuite sur réservation auprès de l’École d’Art Janine Haddad.

 ecoledart(at)sarcelles(point)fr

Adresse : Village de la Gravure, Ecole d’art Janine Haddad

5 route de Garges – 95200 Sarcelles

Transilien ligne H (départ en gare de surface à Gare du Nord), arrêt Sarcelles Saint-Brice

Crédits (gauche à droite) : Pachon I, Obra plana / Ladouceur Louise, Paradis Perdu / Sakamoto Kayoko, Late summer

Pamula Jan, Le champ de transformations discrètes des couleurs 2020 / Koraïchi Rachid, Jardin d’Afrique 2020 / Haladaj Wieslaw, Perpendicular dawn

Œuvres exposées lors de la 20^e Biennale (2021) 

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Une fenêtre ouverte sur le monde de la gravure d’aujourd’hui

Depuis 1980, la Biennale internationale de la Gravure de Sarcelles est devenue un événement artistique incontournable dans le monde de l’art. En effet, cet art si particulier impose une temporalité qui interroge, par la rigueur de sa technique, le déferlement des images qui envahissent notre monde de la communication.

Cette manifestation présente des artistes soigneusement sélectionnés par un spécialiste de la gravure, commissaire de l’événement, l’artiste Jean-Pierre Tanguy, professeur honoraire de l’atelier gravure de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris.

Invités d’honneur, partenaires, candidats sélectionnés, artistes invités et étudiants d’écoles d’arts partagent cette large réunion qui permet de mesurer la variété des choix esthétiques allant de l’image la plus traditionnelle à l’assemblage le plus inattendu, de la figuration la plus descriptive à l’abstraction la plus épurée et ce, au travers d’un large panorama de techniques, qu’elles relèvent de l’impression à plat, en creux ou en relief, sans oublier, parfois, la présence de procédés photographiques ou numériques. Un dépaysement stimulant qui donne à voir l’estampe comme un moyen de communication chaleureux et universel et comme un patrimoine vivant en constant mouvement.

Avec plus de 450 œuvres exposées, issues de plus de 36 pays différents, la Biennale de Sarcelles se veut être une ouverture sur le monde et sur ses différentes cultures. Expression d’une ambition forte de la commune de valoriser sa réalité multiculturelle, elle souhaite aussi provoquer la surprise, la rencontre, éveiller la curiosité de ses visiteurs et en particulier, accompagner les jeunes dans un parcours d’éducation artistique conjuguant une approche des œuvres et de l’acte artistique, une initiation à l’art de la gravure et un accès à des connaissances.

La 21^ème Biennale en 4 temps forts

A côté d’une sélection d’œuvres de 73 artistes français et internationaux sélectionnés parmi 182 graveurs ayant répondu à l’appel à participation lancé en janvier 2023, et des œuvres des 180 meilleurs graveurs français et internationaux parmi des artistes confirmés et des étudiants de l’Académie des Beaux-arts de Venise, de l’Ecole nationale supérieure des Beaux-arts et de l’Ecole Estienne de Paris, la Biennale proposera 4 temps forts.

1. Les graveurs du Mexique mis à l’honneur

Depuis sa création, la Biennale met un pays ou une région du monde à l’honneur. Pour cette 21^ème édition, elle présente une sélection inédite de gravures d’artistes parmi les plus grands graveurs contemporains du Mexique.

L’art de la gravure au Mexique est un véritable moyen d’expression et de communication, qui s’affiche sur les murs de la ville et a été popularisé par l’emploi des techniques de gravure sur bois et de linogravure.

A 500 km au sud-est de Mexico, Oaxaca, capitale de l’état du même nom, berceau de l’une des plus anciennes civilisations préhispaniques, les Zapotèques, est devenue le centre de la gravure composé de plusieurs dizaines d’ateliers et de galeries consacrées à l’art de l’estampe.  

Sous l’impulsion de Fernando Aceves Humana, artiste graveur, nombre d’artistes se sont impliqués avec beaucoup de générosité dans la diffusion de la pratique de cet art, en créant des ateliers éphémères de gravure, dans les villages pauvres de la périphérie d’Oaxaca. Ils ont aussi rendu possible la création d’un atelier de gravure dans la prison d’Oaxaca, à destination des prisonniers de longue peine.

2. L’artiste invité d’honneur : Assadour, peintre-graveur libanais

Né au Liban en 1943 et initié au dessin à Beyrouth, Assadour Bezdikian, dit Assadour, a poursuivi sa formation à l’Ecole des Beaux-arts de Paris dans l’atelier de Lucien Coutaud. Son œuvre fait partie aujourd’hui de collections publiques et privées en France et à l’international.

Assadour est avant tout un graveur : « Quand je grave, dit-il j’exprime un côté analytique de mon tempérament, je dissèque l’image et, avec elle, la pensée. Je suis comme un chirurgien.»

Assadour fait sa première exposition à Beyrouth, en mars 1964, l’année même où il s’installe à Paris et s’inscrit à l’Ecole nationale supérieure des Beaux-arts. Sa peinture s’inscrit dans le cadre arménien : rhétorique et symbolique du paysage intérieur, de sa désolation et de sa prise en charge dans une douleur figée et répétitive que soutient une virtuosité technique devenue le nécessaire corollaire de l’expression. Il semble ne parler que de paysages désertiques et de mondes désarticulés, mais de façon si précise, méticuleuse et à la limite de la lisibilité qui peut toucher le grand public, qu’il n’y joue plus de facilités de thèmes ou de variations thématiques, mais du montage d’un monde intérieur à partir d’éléments picturaux progressivement mis en place.

3. Une carte blanche au Canada, à la Colombie, à l’Italie, au Japon, à la Pologne, à l’Arménie, au Liban et à l’Ukraine.

Véritables « piliers » de la Biennale, plusieurs de ces pays invités des éditions précédentes répondent présents avec des œuvres inédites dont la large représentation permet de mesurer l’évolution des tendances au fil du temps. A noter dans cette carte blanche une touchante réunion de gravures, réalisées par des artistes colombiens, des artistes italiens et par des artistes libanais, spécialement pour cette édition.

4. L’atelier de gravure de l’Ecole d’Art Janine Haddad ouvert à la pratique tous azimuts, dans et hors les murs

La Biennale permet de faire découvrir la pratique de la gravure et l’atelier de gravure de l’Ecole d’Art Janine Haddad doté de 4 presses, qui propose d’aborder une grande diversité de techniques : pointe sèche, linogravure, taille-douce, manière noire, carborundum, collagraphie, eau-forte, aquatinte, bois, burin, etc.

Des visites commentées de l’exposition proposées par la Direction des affaires culturelles de la Ville et des visites-ateliers de sensibilisation et de pratique de la gravure sont organisées pour tout public et animés par le personnel de l’école d’art Janine Haddad en direction des : enfants, adolescents et adultes, en groupes scolaires, groupes d’accueils de loisirs, de maisons de quartier, de centres sociaux, groupes de médiation associatifs et dans le cadre de visites libres des publics.

Pendant les deux semaines d’exposition, ces groupes vont bénéficier de rencontres avec des étudiants de l’Ecole nationale supérieure des Beaux-arts et de l’Ecole Estienne de Paris, qui leur présenteront leurs productions de l’année, fruit de longues recherches et expérimentations qu’ils expliqueront. Ces échanges ont pour objet de faire bénéficier la jeunesse des expériences d’étudiants, témoignant de leur parcours scolaire, des différents choix d’orientation professionnelle qu’offre leur école.

Cette exposition donne ainsi place à un programme d’actions d’éducation artistique et culturelle à destination des jeunes et des familles des quartiers prioritaires sur les temps scolaire, périscolaire et extrascolaire qui s’inscrit dans la convention de partenariat pour l’éducation artistique et culturelle, établie en 2021 entre la Ville de Sarcelles et l’Académie de Versailles pour une durée de 3 ans. Plus de soixante heures d’ateliers de sensibilisation et de pratique de la gravure y seront proposées pour tous publics : scolaires, centres de loisirs, enfants, adolescents et adultes.

Ce parcours articulé autour des 3 piliers de l’éducation artistique, conjugue :

a) la rencontre du jeune public avec des œuvres d’art, pour lui permettre de cultiver sa sensibilité, sa curiosité, son don d’observation, d’échanger avec un artiste-graveur, d’identifier la diversité des lieux et des acteurs culturels du territoire ;

b) l’initiation du jeune public à l’art de la gravure, dans l’objectif de lui permettre d’utiliser des techniques d’expression artistique adaptées à une production, de mettre en œuvre un processus de création ;

c) la transmission de savoirs et de connaissances pour permettre aux jeunes d’exprimer une émotion esthétique et un jugement critique, d’utiliser un vocabulaire approprié à chaque domaine artistique, de mettre en relation différents champs de connaissance, de mobiliser leurs savoirs et leurs expériences au service de la compréhension d’une œuvre.

Cette exposition propose également des conférences et des démonstrations tous publics. De quoi donner à voir et à vivre toute la vitalité de la gravure contemporaine et la richesse d’un art en constante évolution depuis la première trace laissée par l’homme préhistorique. 4 000 personnes sont attendues pour cette manifestation résolument placée sous le signe de la découverte et de l’étonnement, dont l’entrée est gratuite.

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Informations pratiques

21^èmeBIENNALE INTERNATIONALE DE LA GRAVURE DE SARCELLES
Du samedi 25 novembre au dimanche 10 décembre 2023 inclus – Entrée libre
Vernissage le samedi 25 novembre 2023 à 18 h
Village de la Gravure, École d’Art Janine Haddad, 5 route de Garges – 95200 Sarcelles

Accueil du public

Entrée libre du mardi au samedi de 10 h à 17 h 30, le jeudi de 10 h à 20 h 30 et le dimanche de 14 h à 17 h.

Visites-conférences animées par le Commissaire de la Biennale

Le jeudi 30 novembre 2023 de 19 h à 20 h 30,

Le samedi 9 décembre 2023 de 15 h 30 à 17 h.

Participation gratuite sur réservation auprès de l’École d’Art Janine Haddad.

ecoledart(at)sarcelles(point)fr

Les actions culturelles que la Ville de Sarcelles met en place à l’occasion de ces expositions et en particulier de cette Biennale à destination des scolaires, des familles des quartiers prioritaires de la ville, des centres sociaux et des accueils de loisirs de la ville comme auprès du tissu associatif, ont vocation à rendre accessible l’Art contemporain aux habitants et favoriser la découverte de la pratique artistique ainsi que le contact avec les œuvres et les artistes, avec pour objectifs de favoriser la réussite éducative, et de lutter contre l’échec scolaire.

Cet événement est proposé par la municipalité de Sarcelles et son école d’art Janine Haddad avec le soutien du ministère de la Culture, du ministère chargé de la ville au titre de la Politique de la ville et de la Communauté d’agglomération Roissy Pays de France.

Contact presse

Clara Moreno –  clara(at)morenoconseil(point)com

Léa Gonçalves – lea(at)morenoconseil(point)com

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Biennale Internationale de la Gravure de Sarcelles

Du 27 novembre au 12 décembre 2021

Les graveurs du bassin méditerranéen mis à l’honneur

Artiste invité d’honneur : Rachid Koraïchi

34 pays représentés, 250 artistes, 450 gravures,

Eau-forte, burin, aquatinte en noir et blanc ou en couleur

Exposition, conférences, visites-ateliers, démonstrations

Un événement placé sous le parrainage du ministère de la Culture

Vernissage le samedi 27 novembre 2021 à 18 heures au Village de la Gravure

5 route de Garges – 95200 Sarcelles (village)

Nous organisons des visites presse à la demande à compter de ce jour et jusqu’à la fin de l’événement, n’hésitez pas à nous contacter :

Clara Moreno – clara(at)morenoconseil(point)com

Indrani Muller – indrani(at)morenoconseil(point)com

Le catalogue de la Biennale est téléchargeable ici

Les visuels HD des oeuvres figurant dans ce communiqué de presse sont télécheargeables ici

(Crédit tous visuels : Jean-Yves Lacôte) 

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Une fenêtre ouverte sur le monde de la gravure aujourd’hui 

Depuis 1980, la Biennale internationale de la Gravure de Sarcelles est devenue un événement artistique incontournable dans le monde de l’art. En effet, cet art si particulier impose une temporalité qui interroge, par la rigueur de sa technique, le déferlement des images qui envahissent notre monde de la communication.

Comme à chaque édition, cette manifestation présente des artistes soigneusement sélectionnés par deux spécialistes de la gravure, commissaires de l’événement. L’artiste Jean-Pierre Tanguy, professeur honoraire de l’atelier gravure de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris ainsi que Jean-Paul Le Provost, peintre et graveur, ancien Directeur de l’Ecole d’Art Janine Haddad.

Invités d’honneur, partenaires, candidats et étudiants d’écoles d’arts partagent cette large réunion qui permet de mesurer la variété des choix esthétiques allant de l’image la plus traditionnelle à l’assemblage le plus inattendu, de la figuration la plus descriptive à l’abstraction la plus épurée et ce, au travers d’un large panorama de techniques, qu’elles relèvent de l’impression à plat, en creux ou en relief, sans oublier, parfois, la présence de procédés photographiques ou numériques. Un dépaysement stimulant qui donne à voir l’estampe comme un moyen de communication chaleureux et universel et comme un patrimoine vivant en constant mouvement.

Avec plus de 450 œuvres issues de 34 pays, la Biennale de Sarcelles se veut être une ouverture sur le monde et sur ses différentes cultures. Expression d’une ambition forte de la commune de valoriser sa réalité multiculturelle, elle souhaite aussi provoquer la surprise, la rencontre, et éveiller la curiosité de ses visiteurs.

La Biennale en 5 temps forts 

A côté de la section générale qui présentera une sélection d’œuvres des 109 meilleurs graveurs français et internationaux parmi artistes confirmés et étudiants de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts et de l’Ecole Estienne de Paris, la Biennale proposera 5 temps forts.

1)Les graveurs du bassin méditerranéen mis à l’honneur

Depuis sa création, la Biennale met un pays à l’honneur. Pour cette 20^e édition, elle présente une sélection inédite de gravures de 58 artistes parmi les plus grands graveurs contemporains issus de 17 pays qui bordent les deux côtés de la Méditerranée, allant au Nord, de l’Espagne à Chypre et au Sud, du Maroc au Liban. Tunisie, Macédoine, Monténégro, Bosnie-Herzégovine, Egypte, etc. le panorama, loin de se vouloir une représentation officielle, pays par pays, de la réalité de l’estampe dans cette large zone géographique, se veut plutôt un kaléidoscope d’images, de pratiques et de tendances où le plaisir et la sincérité sont les dénominateurs communs.

2)L’artiste invité d’honneur : Rachid Koraïchi

Lui aussi méditerranéen, c’est l’Algérien Rachid Koraïchi qui a été retenu pour illustrer l’affiche de la Biennale avec sa lithographie « Le jardin d’Afrique », en référence à son jardin-cimetière éponyme construit en Tunisie et conçu pour accueillir avec dignité les dépouilles des migrants morts en mer. Partageant son temps entre l’Algérie, Barcelone et Paris, proche des écrivains, Rachid Koraïchi est engagé dans une recherche sur le signe et les écritures que le visiteur peut commencer à découvrir dans l’espace qui lui est réservé au sein de la Biennale. 19 œuvres de ce graveur, peintre, sculpteur, vidéaste et écrivain universel et engagé y seront présentées.

Pour en savoir plus sur Rachid Koraïchi et son œuvre, rendez-vous en page 14 du catalogue de la Biennale, téléchargeable ici.

3)Une carte blanche au Canada, la Colombie, l’Inde, le Japon, la Pologne et la Slovaquie

Nouveauté, la Slovaquie participe pour la première fois à la Biennale. Quant au Canada, à la Colombie, au Japon et à la Pologne, véritables « piliers » de la Biennale, ces pays invités des éditions précédentes ont à nouveau répondu présent avec de nouvelles œuvres dont la large représentation permet de mesurer l’évolution des tendances au fil du temps. A noter dans cette carte blanche la touchante réunion de gravures, réalisées pendant le confinement par 44 artistes colombiens. Une œuvre collective en forme de vision graphique et multiple de la relation qu’ils ont eue avec différents objets, activités ou émotions pendant la pandémie de Covid-19. Composé de plus de 50 tirages de petit format (25 x 17,5 cm) réalisés selon différentes techniques de gravure, l’ensemble des œuvres disposé dans l’espace d’exposition de manière aléatoire forme une grande œuvre unique et multiple à la fois, confrontant témoignages d’expériences individuelles et offrant un regard pluriel de ce que fut notre isolement.

4)Hommage à Bruno Mathon et Krishan Ahuja

Un hommage particulier est rendu cette année, à deux graveurs grands amis et fidèles soutiens de la Biennale, récemment emportés par la pandémie de Covid-19 : Bruno Mathon, critique d’art et peintre-graveur proche d’Henri Goetz, ainsi que le graveur indien Krishan Ahuja.

Retrouvez l’interview-hommage de Bruno Mathon en page 24 du catalogue de la Biennale, téléchargeable ici.

5)Ouverture de l’atelier de gravure de l’Ecole d’Art Janine Haddad

La Biennale sera aussi l’occasion de (re)visiter l’atelier de gravure de l’Ecole d’Art Janine Haddad et de bénéficier de visites commentées proposées par les commissaires Jean-Paul Le Provost et Jean-Pierre Tanguy. Des visites-ateliers de sensibilisation et de pratique de la gravure seront également proposées pour tous publics : scolaires, centres de loisirs, familles, enfants, adolescents et adultes. Animé par Cécile Baudoncourt, l’atelier de gravure de l’école d’art propose d’aborder une grande diversité de techniques : pointe sèche, linogravure, taille-douce, manière noire, carborundum, collographie, eau-forte, aquatinte, bois, burin, etc.

Retrouvez l’Ecole d’Art Janine Haddad ainsi que les écoles partenaires de l’événement, l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts et l’Ecole Estienne de Paris en page 102 du catalogue de la Biennale téléchargeable ici.

« 40 ans d’un succès qui ne se dément pas au fil des éditions. 450 œuvres exposées au « Village de la gravure » pour une rencontre avec des artistes professionnels et des amateurs éclairés venus du monde entier. La ville de Sarcelles est fière d’organiser cet événement à retombée internationale et de valoriser la création artistique », Patrick Haddad, Maire de Sarcelles, Conseiller départemental du Val d’Oise

« C’est courageux et à l’honneur de cette petite ville, Sarcelles, l’une des premières banlieues dont on ait parlé. L’art est enfin là où il doit être, dans un endroit où on y a moins accès. On en ouvre les portes et on dit venez, regardez selon vos envies, prenez les choses, vivez-les librement. Vous pouvez les rejeter, en prendre certaines et vous fabriquer un goût, un regard et donc une personnalité », Pierre Arditi, parrain de la Biennale.

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Informations pratiques

20^e Biennale Internationale de la Gravure de Sarcelles
Du samedi 27 novembre au dimanche 12 décembre 2021 inclus – Entrée libre
Vernissage le samedi 27 novembre 2021 à 18 h
Village de la Gravure, École d’Art Janine Haddad, 5 route de Garges – 95200 Sarcelles

Accueil du public

Entrée libre du mardi au samedi de 10 h à 17 h 30, le jeudi de 10 h à 22 h et le dimanche de 14 h à 17 h.

Visites-ateliers et démonstrations pour scolaires et groupes sur rendez-vous auprès de l’École d’Art Janine Haddad

Visites-conférences animées par les Commissaires de la Biennale

Les jeudis 2 et 9 décembre 2021 de 20 h 30 à 22 heures

Entrée gratuite sur réservation auprès de l’École d’Art Janine Haddad.

Tél. : 01 39 90 54 17 et 01 39 33 64 85  

ecoledart(at)sarcelles(point)fr

Cet événement est proposé par la municipalité de Sarcelles et son école d’art Janine Haddad avec le soutien du ministère de la Culture, du ministère chargé de la ville au titre de la Politique de la ville et de la Communauté d’agglomération Roissy Pays de France.

Contact presse

Clara Moreno – clara(at)morenoconseil(point)com

Indrani Muller – indrani(at)morenoconseil(point)com

Visuels de haut en bas et de gauche à droite (les visuels HD des oeuvres ci-dessous sont téléchargeables ici) – Crédit tous visuels : Jean-Yves Lacôte

Café with Olimpia – JUHART Natalija, Slovénie (eau-forte) 

La performance – MOREH Mordecaï, France (pointe sèche)

Le jardin d’Afrique – KORAICHI Rachid, Algérie (lithographie) / Summer Rain 1 – ZAHREDDINE Hassan, Liban (eau-forte, aquatinte, manière noire)

Untitled – BILGINER Ozan, Turquie (lithographie) 

The City 2 – MOUSSA Amani, Egypte (gravure sur bois et collographie sur papier)

Portrait Femme 2 – PARREIN Pascale, France (pointe sèche) / Obra Plana – PACHON I., Colombie (techniques mixtes)

Controlling The Impossible – DRAGICEVIC Edvin, Croatie (eau-forte) / Piedad – Fantasmas de Guernica – DELAHAUT Sabine, France (pointe sèche sur cuivre et burin sur rhénalon)

Trittico Policromo – RODICA Tanasescu Vanni, Italie (gravure sur bois) 

Sans titre – KORAICHI Rachid, Algérie (lithographie) / Albert Camus – KORAICHI Rachid, Algérie (eau-forte)

Transe Canadienne VIII – FRUIT Ariane, France (gravure sur bois)

Sans titre – CHRISTODOULOU Paris, Chypre (techniques mixtes) / Utopia – GUNDOGDU Dogu, Turquie (lithographie)

Cut 27 – LAZESKA Rosica, Macédoine du Nord (eau-forte, aquatinte)